The Beatles (10ª parte) Magical Mystery Tour

Los Beatles ya habían entrado completamente en el sonido psicodélico de los años 60. Sus últimos discos discos, Revolver y, sobre todo, Sgt Pepper Lonely Hearts Club Band, habían abandonado el estilo de sus primeros años, cambiándolo por uno completamente diferente, menos comercial y más enfocado a la experimentación y la búsqueda de nuevos sonidos. Este período musical acabaría dando lugar a su máximo exponente con Magical Mystery Tour, disco que es, probablemente, el que tiene una mayor presencia de rock psicodélico, y muchas de sus canciones son las más extrañas del grupo, como la delirante "I am the Walrus", que comentaremos posteriormente (evidentemente, cuando digo que Magical Mystery Tour es el mayor exponente de esta etapa psicodélica, me refiero a que es el que mejor plasma su sonido, pero no por ello significa que sea mejor que los dos anteriores discos, los cuales son considerados muy a menudo como superiores en calidad). Y es que, además, a partir de este disco los Beatles se alejarían del sonido psicodélico en busca de un estilo más rockero y maduro (con, por ejemplo, el White Album).

Muchas de las canciones de este disco pueden recordar bastante al Sgt. Pepper, algo lógico si tenemos en cuenta que fueron grabadas prácticamente juntas (los Beatles estaban pasando por un período de gran creatividad y no dejaron de componer aún cuando ya tenían el disco completo). De hecho, algunas canciones como Strawberry Fields Forever fueron grabadas inicialmente para el Sgt. Pepper, pero finalmente se acabaron incluyendo en el Magical Mystery Tour.

Grabación e historia del disco

Como acabamos de comentar, los Beatles pasaban por uno de sus años con más creatividad musical. Estaban continuamente creando nuevas ideas, no paraban nunca de componer. Y, tras poner a la venta su Sgt. Pepper, decidieron lanzarse a un proyecto un poco diferente: La creación de una película. En efecto, Magical Mystery Tour fue diseñado como banda sonora de la película del mismo nombre. Recordemos que los Beatles acaban de decidir que no iban a dar nunca más un concierto en directo, así que querían reemplazar esa ausencia con algo diferente y más innovador, así que... ¿qué mejor que una película para televisión?

Sin embargo, este plan no acabó nada bien, y las críticas hacia la película fueron muy negativas. Según parece, una de las razones de esta mala acogida es que estaba diseñada para ser emitida en color, pero fue televisada en blanco y negro, lo cual restaba muchos puntos a la calidad de la película. Sea como sea, fue uno de los pocos fracasos verdaderos en la carrera del grupo, algo muy poco común.

Pero, por suerte, la música no decepcionó, y se mantuvo en la excelente línea de calidad del grupo. Por ello, poco tiempo después apareció el álbum homónimo con la banda sonora de la película (tiene algunas modificaciones y se cambian algunas canciones, pero en líneas generales el álbum es prácticamente la banda sonora). Algunas de las canciones que se grabaron para la película son de las mejores del grupo, como las autobiográficas Strawberry Fields Forever (por parte de John Lennon) o Penny Lane (por parte de Paul McCartney).

Ya hemos comentado antes que este disco surgió en la misma época que el Sgt. Pepper, por lo que se pueden notar evidentes similitudes y sonidos parecidos. Seguramente, si ambos discos se hubieran juntado en uno solo, apenas se notaría la diferencia. Además de que, por supuesto, el éxito del Sgt. Pepper animó al grupo a hacer algo similar con el Magical Mystery Tour.

Las técnicas de estudio y la experimentación instrumental tuvieron bastante importancia, llegando a dotar de cierta complejidad a la música del álbum e, incluso, llegando a dedicar sus esfuerzos en crear una canción instrumental (algo muy extraño en los Beatles, que siempre suelen incluir una pista vocal, por muy pequeña que sea).

El disco incluye muchas características típicas de esta época: Sonidos orientales, voces extrañas o somnolientas, intento de recrear experiencias alucinógenas, muchos ruidos o elementos poco habituales en la música popular... Todo ello combinado en un intento de crear nuevos sonidos.

Canciones

En el abanico de géneros de este disco, sobresale ante todos el rock psicodélico, la base musical de todo el álbum (con canciones como "Magical Mystery Tour", "Flying", "Blue Jay Way", "I Am the Walrus", "Strawberry Fields Forever"), también encontramos folk rock ("The Fool on the Hill"), un poco de pop-rock ("Your Mother Should Know", "Hello, Goodbye", "Penny Lane", "Baby You're a Rich Man") e incluso una canción nada habitual, "All You Need is Love", una mezcla de folk rock y rock sinfónico.

Como va siendo habitual, la gran parte de las canciones están compuestas por Lennon-McCartney, pero también encontramos una aportación de Harrison y su típico sonido hindú (le encantaba este tipo de música desde que hizo una visita a la India junto al resto del grupo) y una canción instrumental que compusieron los cuatro Beatles en colaboración, Flying. Os dejo la lista completa de canciones y su compositor:

1 - «Magical Mystery Tour» - Compuesta por Lennon - McCartney
2 - «The Fool on the Hill» - Compuesta por Lennon - McCartney
3 - «Flying» - Compuesta de forma colaborativa por todos los integrantes
4 - «Blue Jay Way» - Compuesta por George Harrison
5 - «Your Mother Should Know» - Compuesta por Lennon - McCartney
6 - «I Am the Walrus» - Compuesta por Lennon - McCartney
7 - «Hello, Goodbye» - Compuesta por Lennon - McCartney
8 - «Strawberry Fields Forever» - Compuesta por Lennon - McCartney
9 - «Penny Lane» - Compuesta por Lennon - McCartney
10 - «Baby You're a Rich Man» - Compuesta por Lennon - McCartney
11 - «All You Need is Love» - Compuesta por Lennon - McCartney

Las canciones más destacadas de este disco son, a mi parecer, I Am the Walrus, Strawberry Fields Foerever y Penny Lane, las cuales procedo a comentar una a una:

I Am the Walrus es una de las canciones más extrañas y psicodélicas del grupo. Es, además, una de las canciones con más historia, llena de curiosidades: Lennon la creó principalmente porque estaba harto de que todo el mundo analizara la letra de sus canciones y de que le buscaran significados que a veces ni siquiera existían. Por ello, decidió crear I Am the Walrus, una canción llena de incoherencias, palabras inventadas, frases alteradas y desconectadas entre sí... Era un verdadero laberinto, un reto para los expertos en comentar sus canciones. Os recomiendo que le echéis un vistazo a algunos análisis de la letra. El mismo Lennon llegó a decir posteriormente que era una de sus canciones preferidas del Magical Mystery Tour, resumiendo en una sola frase lo atractivo de esta canción:

"I Am the Walrus es también una de mis canciones favoritas, no sólo porque la escribí yo, claro, sino porque es una de esas canciones con tantos detalles que incluso dentro de cien años podrían seguir interesándote"

Strawberry Fields Foerever es una canción menos extraña que la anterior, pero igualmente también se habla de ella como una de las que mejor define el estilo del álbum. Con una letra inspirada en la infancia de Lennon y un sonido inspirado por las drogas, se convirtió en una de las canciones más alabadas por la crítica y consideradas como una de las mejores composiciones de los Beatles, llena de detalles, significados autobiográficos escondidos bajo la letra, mensajes de Lennon sobre sí mismo, ruidos extraños, instrumentos poco habituales como trompetas y violonchelos... Toda una genialidad de los Beatles.

Y, finalmente, tenemos Penny Lane, una de las canciones con menos psicodelia y más cercanas al pop-rock del álbum. Al igual que ocurre con Lennon y Strawberry Fields Forever, aquí McCartney describe algunos de sus recuerdos de la infancia sobre la calle Penny Lane, en la que solía jugar con Lennon. Con un fuerte componente nostálgico, la canción combinaba un sonido más suave con un gran trabajo de estudio tras de sí: Por ejemplo, se usaron hasta seis pianos grabados a distintas velocidades e incluso conectándolos a un amplificador para conseguir distintos sonidos. Fue otra de las canciones más importantes del disco, y quizás una de las mejores de McCartney (aunque se diga que la compusieron la pareja Lennon-McCartney, fue el segundo el que más trabajó en ella).

Recepción del público y la crítica

El disco, a diferencia de la película, tuvo una acogida realmente buena entre público y crítica, que sí apreciaron el aluvión de creatividad que traía el disco. Personalmente, lo considero uno de los mejores discos del grupo, a pesar de que no se suela incluir en las clásicas recopilaciones sobre "los mejores discos de los Beatles". Aunque, todo hay que decirlo, nunca llegó a tener el impacto de otros discos.

El público lo recibió con unas ventas bastante buenas, llegando al número uno de las listas en Estados Unidos y al número dos en las listas inglesas, además de lograr posiciones similares alrededor del mundo. En definitiva, fue un éxito, aunque teniendo en cuenta que se habla de los Beatles, es habitual (y no estoy exagerando, realmente es extraño ver que alguno de sus discos no haya llegado a los primeros puestos).

La crítica, por su parte, también le dio las máximas puntuaciones. Portales y revistas como Allmusic, Blender o Pitchfork Media le dieron 5 estrellas sobre 5 (un 10 sobre 10, en el caso de la última), mientras que la revista Rolling Stone, algo más exigente, le dio 3'5 estrellas sobre 5. En resumen: Para la crítica, la calidad del disco fue todo lo contrario a la calidad de la película.

Portada

La colorida portada de Magical Mystery Tour es una fotografía perteneciente al videoclip de una de las canciones del álbum, "I am the Walrus". En este extraño (pero bien realizado) vídeo, se puede observar a Lennon vestido de morsa ("Walrus") junto a sus compañeros, también disfrazados de otros animales.

Esta portada no tiene muchos secretos o detalles escondidos (como sí lo tenían otros discos, como el Sgt. Pepper o, como veremos próximamente, Abbey Road). Sin embargo, a pesar de la aparente simpleza, representa bastante bien el sonido del álbum, esos colores tan extrovertidos y el surrealista aspecto de los integrantes del grupo ya empiezan a advertir el carácter tan psicodélico del disco.

Fuentes

Magical Mystery Tour - Wikipedia
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The Beatles (9ª parte) Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

El día 26 de mayo de de 1967, y tras un período de grabación de casi 130 días, los Beatles publicaban el que se convertiría en su disco más aclamado: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Nada más salir a la venta, supuso un éxito absoluto en todos los sentidos, tanto en ventas (llegó a ser disco de diamante) como en las valoraciones de la crítica (por ejemplo, está en la primera posición dentro de los 500 mejores álbumes de la revista Rolling Stones).

Su innovación musical, su complejidad y su enorme repercusión en otros grupos hacen de él uno de los discos más influyentes de toda su historia (con canciones tan famosas como "A Day in the Life" o "Lucy in the Sky with Diamonds"). Como ya comenté cuando estuve hablando del disco Revolver, el sonido de los Beatles ya era enteramente psicodélico. La música pop y las letras fáciles habían pasado ya a la historia, ahora cada vez más el grupo incluía letras más profundas e ideológicas, así como una música más elaborada y trabajada en el estudio.

La publicación de este disco supuso una entrada espectacular en el que se convertiría en la nueva música de los Beatles (una "segunda etapa", como la llamo yo) en la cual hay cada vez más experimentación musical. Por algo se dice que el Sgt. Pepper es el mejor disco de los Beatles...

Grabación e historia del disco

Antes de empezar a grabar el disco, el grupo había tomado una decisión que cambiaría por completo la dirección de su carrera: No iban a dar conciertos nunca más. Los Beatles dijeron que los gritos de las fans, que sólo los querían por su estética, no les dejaban tocar a gusto y que ni siquiera podían oírse tocar a sí mismo del estruendo que provocaban (probad a escuchar un concierto en directo de los Beatles y comprobaréis lo que digo). Lo cierto es que la decisión de dejar los conciertos les daría a los Beatles una ventaja magnífica: A partir de ahora, podrían incorporar más técnicas de estudio en sus álbumes, ya que no se encontrarían con ningún problema al interpretarlas en directo. Y, como podréis comprobar a lo largo de este disco, algunas canciones son prácticamente imposibles de interpretar en una actuación en vivo. Sin duda, dejar los conciertos fue una de las mejores decisiones del grupo. Por cierto, una anécdota sobre el ruido de las fans: Al comienzo del disco, cuando suena la primera canción, se incluyeron unos cuantos gritos y risas que representaban al público en un directo, fue como una despedida con cierto tono de "desquite" por parte del grupo.

Pero, por supuesto, esta decisión también acarreó que muchos medios dijeran que los Beatles eran un grupo acabado. La frase "¿Dónde están los Beatles?" fue un eco constante en todos los periódicos y revistas musicales, que creían que la falta de actividad del grupo suponía su fin. Nada más lejos de la realidad. Lo cierto es que los cuatro integrantes estaban creando su obra maestra.

Uno de los aspectos más interesantes de este disco es la forma en la que están estructuradas las canciones: Es un disco conceptual. Esto quiere decir que el disco está "unificado", el grupo lo concibió para que se escuchara como una sola canción. Es decir, todo está planificado: El orden de los temas, la alternancia de sonidos e incluso la unión de algunas canciones (por ejemplo, el final de "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" es, al mismo tiempo, el principio de "With a Little Help of my Friends"). La magnífica idea del álbum conceptual surgió cuando Paul McCartney escuchó por primera vez el disco Pet Sounds, de los Beach Boys (que, por cierto, es un lujo de álbum, si tenéis Spotify escuchadlo y no os decepcionará). McCartney dijo sobre Pet Sounds: "Es el mejor disco vocal que se haya grabado nunca... es en realidad una obra maestra". El resto del grupo se mostró ilusionado con la idea y acabaron aceptando el reto de hacer su propio disco conceptual.

El disco nació con un claro estilo psicodélico, pero con un sonido mucho más elaborado que cualquier otro disco del género. Además de las buenas técnicas de estudio que tenían disponibles (grabaron en los estudios de EMI), usaron todo tipo de instrumentos muy inusuales en una banda de rock: Violines, orquestas, ruidos de animales, instrumentos hindúes, instrumentos de viento, sonidos invertidos... Todo un espectáculo.

Para acabar el apartado de la grabación del disco, dejaré una última anécdota: Los 15 últimos segundos están rellenados con una frecuencia de 15 kilohercios, una especie de broma ya que no todo el mundo puede oírla (según Lennon, lo hizo "para molestar a vuestros perros"). Seguidamente, aparece un extraño bucle de risas y voces incomprensibles.

Dentro de los diversos estilos musicales que se presentan en el álbum, tenemos el rock psicodélico (Lucy in the Sky with Diamonds, Being for the Benefit of Mr. Kite!, Within You Without You, Fixing a Hole), rock progresivo (A Day in the Life, Good Morning Good Morning, Getting Better), baladas (She's Leaving Home) y pop-rock clásico (Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, With a Little Help from My Friends, When I'm Sixty-Four, Lovely Rita).

Respecto a los autores de las canciones, en su gran mayoría son de Lennon y McCartney, pero también participan Harrison en alguna canción. Eso sí, no hay ningún cover. A continuación os dejo la lista completa de canciones y sus autores:

1. «Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band» - Compuesta por Lennon y McCartney
2. «With a Little Help from My Friends» - Compuesta por Lennon y McCartney
3. «Lucy in the Sky with Diamonds» - Compuesta por Lennon y McCartney
4. «Getting Better» - Compuesta por Lennon y McCartney
5. «Fixing a Hole» - Compuesta por Lennon y McCartney
6. «She's Leaving Home» - Compuesta por Lennon y McCartney
7. «Being for the Benefit of Mr. Kite!» - Compuesta por Lennon y McCartney
8. «Within You Without You» - Compuesta por Harrison
9. «When I'm Sixty-Four» - Compuesta por Lennon y McCartney
10. «Lovely Rita» - Compuesta por Lennon y McCartney
11. «Good Morning Good Morning» - Compuesta por Lennon y McCartney
12. «Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise)» - Compuesta por Lennon y McCartney
13. «A Day in the Life» - Compuesta por Lennon y McCartney

Canciones

El disco comienza con la rápida canción que le da nombre al disco, un estilo rockero clásico con guitarras eléctricas y una fuerte voz de McCartney. Sin duda alguna, lo más interesante de la canción es el puente final que hace con With a Little Help from My Friends. La intensidad de la canción, acompañado de aplausos constantes, aumenta cada vez más para acabar dando paso a una dulce balada cantada por Ringo Starr. Al parecer, al principio Ringo no quería cantarla, pero el resto del grupo acabó animándolo. Eso sí, puso como condición que se cambiara el principio de la canción, que decía "¿Qué harias si cantara Desafinado? ¿Me arrojarias tomates maduros?", ya que Ringo no estaba muy acostumbrado a cantar y no quería que los fans le tiraran tomates de verdad (una muestras del humor de Ringo, claro, es imposible que los fans le tiraran tomates a los Beatles...).

Esta da paso a la psicodélica "Lucy in the Sky with Diamonds", una canción llena de dobles sentidos y teorías sobre su signficado. Muchos críticos dicen que la canción hace clara referencia al LSD (por las iniciales), pero Lennon siempre ha defendido que está basado en un dibujo hecho por su hijo Julian. Además, es famosa la anécdota del Australopithecus Lucy, conocido así en honor a la canción. En el apartado puramente musical, podemos ver que es una canción misteriosa, con una voz somnolienta y un ritmo lento (excepto en la parte del estribillo).

La siguiente canción, "Getting Better" es una melodía bastante experimental, con un sonido rockero pero inusual en los Beatles. Yo siempre la he considerado algo inferior al resto del disco, pero está claro que eso dependerá de los gustos. Respecto a "Fixing a Hole", es una canción inspirada en las experiencias psicodélicas de McCartney (Paul reconoció por sí mismo estas influencias en algunas declaraciones). El aspecto más característico de la canción es la presencia de ecos, tanto en las voces como en los instrumentos, que le dan un aire especial.

La siguiente canción, "She's Leaving Home", es una de las más cercanas a la música clásica que han hecho los Beatles (y con excelentes resultados, hay que decirlo). Numerosos coros, un arpa, notas largas... Además, McCartney dijo que la historia que cuenta en la canción sobre una chica que se va de casa estaba basada en hechos reales.

"Being for the Benefit of Mr. Kite!" es una locura musical de estilo psicodélico. Según Lennon, la intención era representar un circo, una canción que pareciera tener "atmósfera de carnaval". Es una melodía corta, pero se nota una gran complejidad y experimentación en su composición. Es uno de esos extraños experimentos que tan bien encajan en este disco.

"Within You Without You" es la aportación de Harrison, con un estilo claramente marcado por la música india (y tan típico en George, claro). La presencia del sitar y la voz de Harrison hacen de ésta la aportación hindú del disco (como veremos en próximos discos y ya hemos visto en anteriores, Harrison siempre ha tenido pasión por la cultura hindú). Por cierto, un consejo, no os perdáis la mezcla que se hace en el disco "Love" entre Within You Withouth You y Tomorrow Never Knows (canción de Revolver)

"When I'm Sixty-Four" es una canción claramente compuesta por McCartney (se nota su estilo más cercano al pop, aunque esté firmada como Lennon-McCartney). Según parece, la compuso como regalo de cumpleaños para su padre, que había llegado a los 64 años recientemente. La siguiente canción, "Lovely Rita", es una canción con sonidos bastante extraños y algo psicodélicos. Al parecer, Lennon y McCartney crearon una especie de instrumento con un peine y un pañuelo para hacer algunos de los extraños ruidos que aparecen a lo largo de la canción.

La canción "Good Morning Good Morning" fue un perfecto toque de rock más "duro" para el disco. Con una guitarra más potente que en resto de canciones y un saxofón para crear un ambiente ruidoso, la canción llegó a incluir ruidos de animales. La inspiración del grupo para crearla fue un anuncio de los cereales Kellogg's (y, si os fijáis en el final de la canción, podréis ver que el sonido de un pato se acaba unificando con la guitarra de la siguiente pista, de nuevo una ligadura de canciones).

La canción "Reprise" de la melodía original es una versión rápida y más vertiginosa de la primera pista del disco. Pero, finalmente, deja paso a una de las obras maestras del disco: "A Day in the Life". Una canción trabajada y compleja llena de crescendos orquestales, significados poco claros y una increíble combinación entre dos fragmentos musicales: Uno de Lennon y otro de McCartney. La parte de Lennon estaba basada en un estilo reflexivo y oscuro, cuyas letras estaban basadas en acontecimientos que había leído en los periódicos (como la muerte de Tara Browne), mientras que la parte de McCartney es más despreocupada y alegre, describiendo un día típico en su vida. Ambas partes se combinan perfectamente para acabar terminando con un poderoso acorde hecho en tres pianos a la vez, que se alargó durante 40 segundos completos (de hecho, debido a que el sonido se iba apagando, se subió el volumen de la grabación cada vez más, por lo que e pueden oír los ruidos del propio estudio).

Recepción del público y la crítica

Como ya hemos comentado anteriormente, el disco fue un éxito total (sin ninguna duda). El disco ha pasado ya a la historia como un referente de su género y de su época (y, si lo piensas bien, del grupo):

La crítica le concedió las más altas puntuaciones. Basta decir que absolutamente todas las revistas, webs y portales que voy a nombrar ahora le dieron 5 sobre 5 estrellas: Allmusic, Blender, SputnikMusic, Rolling Stone, Pitchfork Media, Robert Christgau y The Daily Telegraph. Además, tanto el sitio de internet Internet Digital Dream Door como la famosa revista Rolling Stone colocaron el disco en la primera posición dentro de su recopilación de mejores álbumes de la historia. Sobran los comentarios...

Respecto a las ventas, fue un disco de diamante, subió a las primeras posiciones de Reino Unido y Estados Unidos y se mantuvo allí durante 27 y 15 semanas respectivamente. Está claro que los fans del grupo acogieron calurosamente este disco.

Portada

La portada del disco es también una muestra del cariño que se había puesto en el disco. Un trabajo excelente, bien trabajado y lleno de pequeños detalles diseñado por el artista Peter Blake.

Por ejemplo, entre los personajes famosos que hay representados, se puede ver a Edgar Allan Poe (un escritor que, como ya supongo que sabéis los lectores de este blog, adoro), Bob Dylan, Aldous Huxley, Marilyn Monroe... Entre los personajes que iban a aparecer pero finalmente fueron descartados, se encuentran Gandhi, Hitler y Jesucristo, pero desaparecieron por la polémica que podrían desatar. Aquí podéis ver la lista de famosos que aparecen en la portada.

Otro detalle: La niña en la esquina derecha tiene escrito en sangre: "Welcome The Rolling Stones" (ya sabéis que ambos grupos estaban dirigidos a un público más o menos similar y por ello se hacían la competencia). Otros fans más conspirativos han llegado a decir que en la portada hay una referencia al famoso rumor de que Paul está muerto. Según ellos, el trozo de tierra que hay en la parte frontal es una tumba. Junto a ella, hecho con flores, es lo que parece ser un bajo (el instrumento de Paul) hecho para zurdos (que es lo que él era). Además, el supuesto bajo sólo tiene tres cuerdas (haciendo referencia a la falta de un integrante) y a la izquierda se representa a los Beatles vestidos de negro (como si fueran de luto). Sin embargo, esto se queda sólo como curiosidad, ya que el mito de que Paul está muerto es sólo eso, un mito.

Un último comentario: El extravagante nombre del álbum es en realidad una parodia de los numerosos grupos que estaban surgiendo en esa época con nombres extraños y largos que nadie acababa de entender. Los Beatles cuidaron hasta el último detalle.

Fuentes

Sgt. Pepper Lonely Hearts Club Band - Wikipedia
Sgt. Pepper Lonely Hearts Club Band - Wikipedia (English)
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The Beatles (8ª parte) Revolver

Lanzado el 5 de agosto de 1966, fue uno de los mejores y más maduros álbumes de la banda, en el cual mostró importantes muestras del rock psicodélico (estilo que sería llevado a su máxima extensión en los dos discos posteriores). Al igual que con Rubber Soul, en el cual se dejaba a un lado el pop y se pasaba a un estilo más trabajado, en Revolver se muestra un estilo mucho más madurado que en los anteriores, con letras más profundas y un sonido más cercano a la psicodelia.

Siempre se ha considerado a este álbum como uno de los mejores de la banda (por ejemplo, la revista Rolling Stone lo colocó en el tercer puesto en su lista de sus 500 mejores álbumes de todos los tiempos). Además, aquí los Beatles experimentaron mucho más que en anteriores discos, mezclando diferentes sonidos y basando algunas letras en experiencias con el LSD. Normalmente, se califica a este disco como el que marcó definitivamente el giro hacia la música psicodélica que tomarían los Beatles, con canciones como "Tomorrow Never Knows" o "She said She said". De hecho, se puede decir que Revolver ya no contenía prácticamente ninguna canción de sonido pop (excepto la infantil "Yellow Submarine", una canción que, para mí, no acaba de encajar con el resto del disco).

Grabación e historia del disco

Como ya hemos comentado brevemente, en este disco se introdujeron muchas nuevas técnicas musicales y se experimentó bastante con las canciones. Principalmente, entre todas estas innovaciones destaca la experimentación con el LSD y sus consecuencias: El rock psicodélico. ¿En qué consistía este estilo musical? Podemos decir que las características principales de este género eran el uso de instrumentos orientales, las letras extrañas que reflejan sueños o alucinaciones, efectos sonoros producidos con sintetizador, sonidos inversos... En general, se puede considerar como rock psicodélico a aquella música que intenta reflejar el estado producido por el LSD. Si queréis profundizar más en este género, he hecho una lista en Spotify.

El ejemplo más claro de este estilo en Revolver lo tenemos, sin lugar a dudas, en la canción "Tomorrow Never Knows", de Lennon. En ella se puede ver un sonido oriental, ruidos extraños, guitarras y sonidos invertidos, una letra que se aleja completamente de la temática típica de los Beatles (en vez de hablar de amor o temas pop, habla sobre la meditación y tiene un sentido espiritual), loops, mensajes cantados al revés, un estilo somnoliento... Todo ello combinado dio lugar a uno de los mayores exponentes del rock psicodélico.

Pero no todo fue rock psicodélico en este álbum, hay muchos otros estilos e innovaciones que hicieron de Revolver un disco brillante (si queréis ver de verdad un disco en el que haya una locura explosiva de psicodelia, probad a escuchar "Magical Mystery Tour", también de los Beatles, el cual analizaremos en unas semanas).

Otro aspecto importante en la grabación de este disco fueron las mejoras en la complejidad de las canciones. Por ejemplo, la genial "Eleanor Rigby", que estaba basada en el sonido de los violines, las violas y los violonchelos, pertenece al género del pop barroco. Este estilo se basaba en utilizar estilos y elementos de la música clásica y aplicarlos a melodías pop. Si comparamos canciones como Eleanor Rigby con las canciones presentes en los primeros discos de los Beatles, se observa una clara mejoría en el nivel de trabajo y grabación, con sonidos más estudiados y letras profundas.

En general, casi se podría decir que en este disco abundan las experimentaciones con diversos sonidos. Y, sin duda, los resultados fueron excelentes. La grabación del disco duró alrededor de tres meses en los estudios de EMI, en Londres. Por supuesto, todas las canciones del disco fueron compuestas por ellos, y no incorporaron ningún cover (como sí hacían en los primeros discos). Revolver es ya un ejemplo de la etapa "madura" de los Beatles.

Canciones

Como ya es típico en los Beatles, encontramos una gran variedad de estilos musicales y muy variados en este disco. El más destacable es el rock psicodélico ("I'm Only Sleeping", "Tomorrow Never Knows", "She Said She Said", "Taxman", "Love You To"), pero también encontramos el pop barroco ("Eleanor Rigby", "For No One"), pop más ligero ("Yellow Submarine", "Good Day Sunshine"), rock clásico ("And your Bird Can Sing", "Doctor Robert", "I Want to Tell You") baladas ("Here, There and Everywhere") y un sonido cercano a la música soul con toques rockeros ("Got to Get You into My Life").

Todas las canciones están compuestas por Lennon y McCartney excepto "Taxman", "Love You To" y "I Want to Tell You", las cuales compuso Harrison. El batería, Ringo Starr, no participó componiendo ninguna canción, pero cantó "Yellow Submarine". A continuación dejo la lista completa de canciones y su vocalista principal:

1 - «Taxman» - Harrison
2 - «Eleanor Rigby» - McCartney
3 - «I'm Only Sleeping» - Lennon
4 - «Love You To» (Harrison) - Harrison
5 - «Here, There and Everywhere» - McCartney
6 - «Yellow Submarine» - Starr
7 - «She Said She Said» - Lennon
8 - «Good Day Sunshine» - McCartney
9 - «And Your Bird Can Sing» - Lennon
10 - «For No One» - McCartney
11 - «Doctor Robert» - Lennon
12 - «I Want to Tell You» - Harrison
13 - «Got to Get You into My Life» - McCartney
14 - «Tomorrow Never Knows» - Lennon

Si tengo que destacar algunas canciones del álbum (decisión difícil), creo que escogería las tres más representativas del disco y sus estilos: Tomorrow Never Knows, Eleanor Rigby y Yellow Submarine.

Tomorrow Never Knows es, como comenté al principio, el máximo exponente de la psicodelia de los Beatles. Según se dice, Lennon sacó la inspiración para hacer esta canción a partir del Libro Tibetano de los Muertos (aunque sus compañeros dicen que en realidad él leía "The Psychedelic Experience", un libro parecido), el cual solía leer mientras tomaba LSD, así que no es de extrañar que obtuviera como resultado una canción un tanto extraña ;-). Para grabar esta canción, Lennon usó la duplicación de voces mediante sintetizadores, junto con otros muchos efectos que ya comentamos anteriormente.

Eleanor Rigby, que contaba con un doble cuarteto de cuerda, es una canción con muchos toques de música clásica. Juegan un papel importante en la canción los coros, que complementan a las cuerdas. Respecto al nombre de la canción, McCartney cuenta una curiosa anécdota:

"El patio de la iglesia St. Peter era un lugar que John y yo frecuentabamos regularmente, es posible que haya visto la tumba con el nombre y quizas inconscientemente lo haya recordado o relacionado; quizás mi memoria se clavó particularmente en ese recuerdo, o en el nombre, Eleanor. Pero el nombre no me resultaba suficiente, queria un apellido poco común, y recuerdo un día, caminando con Jane por la ciudad de Bristol, divisé una tienda con el nombre Rigby, y pense -eso es, ya lo tengo-."

Y llegamos a Yellow Submarine. A mí, personalmente, no me gusta demasiado porque es, en esencia, una canción más de la época pop de los Beatles y creo que no encaja con el disco. Pero, sin embargo, tuvo un importante éxito y ha tenido una gran acogida en la cultura popular, además de que posteriormente los Beatles publicarían un disco con ese mismo nombre. La canción es, según el propio Paul, de sonido infantil. La idea se le vino a la mente cuando estaba medio dormido: Tumbado en su cama, se le vino a la mente la imagen de un submarino amarillo, y decidió plasmar esa idea en una canción.

Recepción del público y la crítica

Muchos aficionados a los Beatles consideran a este álbum como el mejor de los Beatles, y la verdad es que no exageran (aunque vosotros ya sabéis que yo siempre he preferido el Sgt. Pepper). Cuando fue lanzado, tanto el público como la crítica aplaudieron su estilo vanguardista y sus sonidos nuevos.

En las ventas, el disco subió con total facilidad al número 1 en países como Gran Bretaña y Estados Unidos, en los cuales mantuvo su posición durante semanas enteras (en concreto, en EE.UU estuvo un total de siete semanas en la primera posición).

Pero, sobre todo, la crítica se deshizo en halagos ante este disco. Portales y revistas como Allmusic o Blender le han dado cinco estrellas sobre cinco, y la publicación Pitchfork Media le concedió un diez sobre diez. El nuevo camino que estaban tomando los Beatles, mucho más maduro y complejo musicalmente hablando, agradó enormemente a los críticos musicales. El disco fue todo un éxito.


Fuentes

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Revolver - Wikipedia

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The Beatles (7ª parte) Rubber Soul

Lanzado en 1965, Rubber Soul fue uno de los álbumes mejor criticados de toda la banda, y a menudo se cita como el verdadero punto de inflexión en su carrera, en el cual los Beatles pasaron a tomar un estilo más complejo y reflexivo. Si en el anterior disco comentábamos que el estilo pop-rock clásico de los Beatles era transformado ligeramente en folk, en este disco podemos ver un claro cambio hacia un estilo más trabajado: La introducción de un sitar indio y el sonido de un clavecín, la innovación en instrumentos y estilos que no habían sido usados nunca en la música popular, sonidos orientales que más tarde desembocarían en el rock psicodélico...

También es importante destacar que en este álbum los Beatles compusieron todas las canciones, no usaron ningún cover. Este es otro punto destacable en su maduración musical, ya que a partir de este disco no volverían a usar canciones de otros compositores.

Grabación e historia del disco

Como hemos dicho, la banda dio un importante salto creativo y de complejidad musical con este disco. Este sería el primero de una larga serie de álbumes con un sonido más alejado del pop, con letras y estilos cada vez más profundos. El disco fue grabado sin ninguna preocupación de por medio: En esa época, el grupo no estaba participando en ninguna gira ni película, por lo que se dedicaron exclusivamente a componer y a grabar el álbum.

Una muestra del avance del que hablamos es, sin ninguna duda, el estilo de la canción "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)", la cual es considerada como la primera canción pop occidental en incluir el sitar. Este instrumento fue más tarde la base del rock psicodélico, el raga rock y una gran cantidad de géneros musicales famosos durante los años 60 y 70. El estilo oriental del que está dotado la canción muestra el espíritu de innovación que tenía el álbum. Por aquél entonces, George Harrison era un apasionado de la cultura hindú y fue el impulsor del sitar y el estilo oriental en la música de los Beatles (aspecto que influiría en muchísimos grupos, como por ejemplo en los Rolling Stones y su famoso "Paint it Black"). El mismo Harrison comentaría más tarde su introducción en este instrumento:

Había un grupo de músicos indios tocando. Recuerdo que cogí el sitar y comencé a tocarlo, pensando "es un sonido gracioso". Fue algo accidental, pero durante ese tiempo empecé a oír el nombre de Ravi Shankar.... Así que fui y compré su disco; lo puse y no podría explicarlo, pero me parecía muy familiar. Fue una llamada para mi.... Compré un sitar barato en una tienda llama India Craft en Londres. No sabía realmente que hacer con él. Pero cuando estábamos trabajando en "Norwegian Wood" necesitaba algo. Fue algo espontaneo... Lo tomé, busqué las notas y comencé a tocarlo. Lo grabamos y dimos justo en el clavo.

Aparte del cambio musical, también se observa un importante salto en las letras. Dejando más a un lado el tema del amor y las parejas enamoradas, el disco se centra en temas más filosóficos como el comformismo social, el amor universal o el tiempo pasado y la nostalgia.

A pesar de que fue grabado en apenas unas cuatro semanas para aprovechar las ventas de Navidad, está muy trabajado en aspectos como los arreglos de estudio. Por ejemplo, un tema en el que queda patente esta mejora musical es en "In my Life". A mitad de la canción (véase el minuto 1:45 del anterior vídeo) aparece un instrumento que, a primera vista, parece un clavicordio. Sin embargo, es simplemente un piano. Los Beatles estaban buscando un sonido "barroco" para esa canción, así que acudieron a George Martin (conocido popularmente como "el quinto Beatle") para que encontrara una solución. Lo que hizo fue grabar una pieza de piano influenciada por Bach, por lo que, evidentemente, el "tempo" de esa composición no coincidía con "In my life". La solución fue grabar el pequeño solo de piano a mitad de velocidad y, más tarde, acelerarla en el estudio todo lo necesario para que se adaptara a la melodía de los Beatles. El producto resultante fue un sonido realmente parecido al de un clavecín.

Canciones

La diversidad de estilos en el disco es muy abundante. Hay folk-rock (Nowhere Man, Michelle, I'm Looking Through You), algo de rock 'n' roll rápido (Drive My Car, Run for Your Life, The Word) baladas (Girl, In My Life), pop-rock (Wait, You Won't See Me, Think for Yourself, If I Needed Someone). También está la mezcla de folk y rock psicodélico presente en Norwegian Wood (This Bird Has Flown) e incluso country rock en What Goes On.

Los trece temas presentes en el álbum no contienen ningún cover, y en su mayoría están compuestos por Lennon-McCartney. Sin embargo, este álbum también incluía unas geniales composiciones de Harrison (Think for Yourself y If I Needed Someone) y una pequeña colaboración de Ringo Starr en la canción What Goes On. A continuación dejo el listado de canciones y el cantante principal en cada una de ellas:

1- "Drive My Car" - Lennon y McCartney
2- "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" - Lennon
3- "You Won't See Me" - McCartney
4- "Nowhere Man" - Lennon
5- "Think for Yourself" - Harrison
6- "The Word" - Lennon, McCartney y Harrison
7- "Michelle" - McCartney
8- "What Goes On" - Starr
9- "Girl" - Lennon
10- "I'm Looking Through You" - McCartney
11- "In My Life" - Lennon
12- "Wait" - Lennon y McCartney
13- "If I Needed Someone" - Harrison
14- "Run For Your Life" - Lennon

De todo el repertorio, yo destacaría principalmente tres canciones que representan a la perfección el estilo del álbum: "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)", "Nowhere Man" y "In My Life".

Norwegian Wood representa el toque de innovación que realizó el grupo en el disco. El ya mencionado uso del sitar indio y las melodías orientales aplicadas a una canción occidental dieron como resultado una canción innovadora e influenciadora para muchísimos grupos y estilos musicales. Es sin ninguna duda una de las primeras muestras del rock psicodélico que más tarde se desarrollaría en su álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.

Nowhere Man representa el cambio en los temas tratados por el grupo. Es una canción muy crítica con la sociedad y el conformismo de los jóvenes con frases filosóficas como "sólo vé lo que quiere ver... no sabe lo que se pierde". Aunque la intención de Lennon cuando creó la letra no fue ésta (la compuso cuando estaba agotado de tanto componer y se llamaba a sí mismo "hombre de ningún lugar"), significó la apertura del grupo ante nuevos temas como la política, la paz o la filosofía.

Y por último, In My Life representa la complejidad musical y el trabajo de estudio del que presumía el disco. Con el ya mencionado piano imitando al clavecín y algunos otros arreglos musicales, la canción intenta trasmitir nostalgia y mostrar la infancia de Lennon. Por todo ello, la revista Mojo la eligió como la mejor canción en su lista de las "10 mejores canciones de todos los tiempos".

Recepción del público y la crítica

Este es, sin ninguna duda, uno de los álbumes que más éxito ha cosechado entre el público y la crítica. Sobre todo esta última nombró al disco como uno de los mayores éxitos hasta el momento.

Las ventas alcanzaron unas enormes cifras y llegaron al número 1 de las listas tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido. El público recibió el disco de manera espectacular, al igual que solía pasar con todos los álbumes del grupo. Por ejemplo, sólo en EE.UU, se vendieron 1,2 millones de copias en los nueve primeros días.

La crítica fue más allá que las ventas, y tomó el disco como uno de los mejores de la banda. Revistas y portales como Allmusic, Blender o Pitchfork Media le concedieron la máxima puntuación. La famosa lista de los "500 mejores álbumes de todos los tiempos", realizada por la revista Rolling Stone, colocó este disco en la quinta posición. Otras muchas recopilaciones similares dejaron al álbum en posiciones similares, llegando a entrar en un total de 5 recopilaciones profesionales.

Portada

La portada del disco, aunque en un principio pueda parecer simple, tiene también una curiosa historia. Si os fijáis bien, se nota que la foto de los integrantes del grupo está "alargada". Este efecto que tan bien le queda al disco fue fruto de la casualidad: Cuando el grupo estaba en la sesión de fotos con su fotógrafo Robert Freeman, éste les mostró las fotos que habían hecho y las colocó encima de un disco para que vieran cómo debería quedar. Al colocar las fotos, una de ellas se dobló por error y formó el efecto "alargado" que se puede ver. Los integrantes del grupo, tras ver este curioso efecto, al instante dijeron que esa era la imagen que querían como portada.

Las características letras que acompañan al álbum fueron creadas por Charles Front, a encargo del fotógrafo. Este estilo fue más tarde adoptado por el movimiento hippie, por lo que es una muestra más de la gran influencia e innovación de la que llegó a gozar el disco.

Fuentes

Rubber Soul - Wikipedia
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The Beatles (6ª parte) Help!

Help!, el quinto disco publicado por los Beatles, fue un álbum bastante diferente a los anteriores. Asentando el cambio que ya se estaba empezando a notar en "Beatles for Sale", el estilo de los Beatles gira en este disco para tomar un toque claramente folk. Lanzado en 1965, este disco contiene dos de las canciones más famosas de los Beatles: La canción de nombre homónimo "Help!" y, sobre todo, "Yesterday", la canción más versionada de la historia.

Gran parte del disco se usó como banda sonora para la película "Help!", protagonizada por los propios Beatles. En el álbum se incluyeron menos covers de lo normal, sólo dos (tendencia que con el tiempo iría desapareciendo hasta que dejaron de usar versiones en sus discos).

Grabación e historia del disco

Como veíamos ya en el anterior álbum, los Beatles empezaban a sentirse cansados con su popularidad y fama mundial. Tantos conciertos y grabaciones frenéticas para publicar a tiempo estaban destrozando al grupo y su capacidad para componer y grabar corría peligro si la situación continuaba así. No cabe duda de que el grupo estaba pidiendo a gritos un cambio en su carrera.

En Beatles for Sale ya se podían ver pequeños indicios de este necesitado cambio que iban a sufrir los Beatles, pero todavía mantenían su estilo clásico. Sin embargo, en Help! su estilo cambia de dirección y deja el pop-rock a un lado. El género musical que decidieron impregnarle a este disco fue el folk, altamente inspirado por Bob Dylan, con guitarras acústicas e incluso instrumentos de viento en algunas pistas.

Se podría considerar a este disco como una transición en el cambio de estilos de los Beatles. En vez de pasar directamente de su pop-rock inicial al rock psicodélico que caracterizaría sus próximas composiciones, el grupo decide hacer una pausa en el folk.

Grabado a lo largo de cuatro largos meses, Lennon reconoció que el nombre del disco era verdaderamente un grito de ayuda para salir de la presión a la que estaba sometida el grupo. Esta súplica tardaría en ser escuchada, ya que durante unos cuantos discos más el grupo tuvo que seguir haciendo giras. No fue hasta la aparición de "Sgt. Pepper Lonely Hearts Club Band" cuando el grupo pudiera cumplir su deseo de dedicarse exclusivamente a la grabación de estudio.

La película homónima en la que se usó el disco como banda sonora no tuvo tanto éxito como la anterior "A Hard Day's Night". El argumento giraba en torno a Ringo Starr, quien posee un anillo perteneciente a un culto hindú. Esta secta quiere sacrificar a una mujer, pero para ello necesitan un anillo especial de sacrificio. Como no podía ser de otra forma, el anillo en cuestión está en las manos de Ringo, quien se verá huyendo junto con sus compañeros de un grupo que intentará matarlo por el robo de un objeto de tanto valor.

De todas formas, la película tuvo poca aceptación, todo lo contrario al disco, que fue un éxito de ventas. El propio Lennon dijo acerca de la película:

"La película estaba fuera de nuestro control. Con A Hard's Day Night tuvimos un montón de participación y fue semi-realistas. Pero con Help!, Dick Lester no nos dijo de qué se trataba todo esto"

Canciones

Como ya hemos dicho, el género principal es el folk y el folk-rock (como podemos observar en canciones como "You've Got to Hide Your Love Away", "I've Just Seen a Face", "I Need You", "You Like Me Too Much", "Tell Me What You See", "It's Only Love" o "You're Going to Lose that Girl") también tenemos trozos de su estilo rock clásico ("Help!", "Ticket to Ride", "Dizzy, Miss Lizzy", "Another Girl" o "The Night Before"), incluso está presente el country ("You've Got to Hide Your Love Away") y, por supuesto, la balada imprescindible del disco, "Yesterday".

A continuación dejo la lista completa de canciones y el cantante principal en cada una de ellas. Todas están compuestas por la pareja Lennon-McCartney excepto dos que pertenecen a Harrison ("I Need You" y "You Like Me Too Much") y dos covers ("Act Naturally" y "Dizzy Miss Lizzy"):

1- Help! - Lennon
2- The Night Before - McCartney
3- You've Got to Hide Your Love Away - Lennon
4-I Need You - Harrison
5- Another Girl - McCartney
6- You're Going to Lose That Girl - Lennon
7- Ticket to Ride - Lennon
8- Act Naturally - Starr
9- It's Only Love - Lennon
10- You Like Me Too Much - Harrison
11- Tell Me What You See - Lennon y McCartney
12- I've Just Seen a Face - McCartney
13- Yesterday - McCartney
14- Dizzy Miss Lizzy - Lennon


Por supuesto, las canciones más destacadas son las famosas Help! y Yesterday.

Yesterday es uno de los temas más recordados en toda la historia del grupo. Según el libro Guinness de récords mundiales, es la canción más reproducida en la radio y la más versionada, con más de 3000 interpretaciones por diferentes grupos. Esta triste y melancólica canción cantada por McCartney está únicamente tocada por un cuarteto de cuerda y la guitarra de Paul. Según se dice, a McCartney le vino la idea de esta canción en un sueño, y nada más despertarse se puso a tocarla. Estaba tan sorprendido de esa inspiración momentánea, que fue buscando expertos musicales para que le aseguraran que no era un plagio que había surgido en su subconsciente sueño:

"Durante cerca de un mes fui a ver gente del negocio de la música, preguntándoles si conocían esa melodía. Fue como si hubiera encontrado algo que debía entregar a la policía. Pensé que si en unas semanas nadie la reclamaba entonces sería mía"

Help! fue una canción menos folk y que recordaba más al estilo clásico de los Beatles. Es una melodía rápida y con mucha musicalidad. Sin embargo, la idea de Lennon no era esa: Según declaró posteriormente, la letra de la canción mostraba sinceramente lo que él sentía y quería que la melodía que la acompañara fuera lenta y más triste. Finalmente, con algo de presión por parte de los productores, convirtió el sonido en lo que podemos escuchar hoy día.

También cabe destacar la magnífica, aunque menos conocida, You've Got to Hide Your Love Away. Representa perfectamente el estilo folk del disco, con las guitarras acústicas, la solitaria y tranquila voz de Lennon y la genial aparición de una flauta al final de la canción.

Recepción del público y la crítica

Pese al cambio estilístico del disco, la popularidad del grupo permaneció inmutable y, de hecho, llegó a subir algunas posiciones para la opinión de la crítica.

El portal "Allmusic" le otorgó 5/5 estrellas; Blender 4/5 estrellas; y Pitchfork Media le dio una nota de 9'2 sobre 10. Como se puede ver, mantiene la línea de los anteriores discos y se sitúa entre las posiciones más altas. También hay que destacar que la revista Rolling Stone lo calificó en el puesto 332 en su recopilación de "500 mejores álbumes de todos los tiempos".

Respecto a las ventas, alcanzó el número 1 tanto en EE.UU como en el Reino Unido, donde se mantuvo 9 semanas en ese puesto. Mención especial se merecen los singles, "Help!" y "Yesterday", que alcanzaron el disco de oro en Estados Unidos y llegaron, al igual que el disco, al número uno en las listas de varios países.

Portada

La portada muestra a los Beatles transmitiendo un mensaje en código semáforo, una forma de comunicación basada en la posición de los brazos. En un principio este mensaje iba a ser el título del álbum, "HELP". Sin embargo, cuando se tomó la fotografía, la forma en la que los integrantes del grupo se tuvieron que situar para simular la palabra quedaba bastante mal para la portada del disco, así que decidieron cambiarla por razones puramente estéticas.

Como podéis ver en la imagen superior izquierda, se escogieron las letras al azar, buscando únicamente una armonía en la estructura. La palabra resultante sería "NUJV", algo carente de sentido.

Fuentes

Help! - Wikipedia
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The Beatles (5ª parte) Beatles for Sale

Continuando nuestra serie sobre los Beatles, revisamos hoy su cuarto disco, "Beatles for Sale". Lanzado en 1964, este disco empezaba a mostrar el cambio que los Beatles experimentarían en sus próximos años. Los integrantes del grupo se empezaban a cansar de hacer lo mismo, de tantas giras y del abrumador éxito que los estaba comenzando a molestar.

Se puede decir que este es uno de los últimos discos de los Beatles que tienen un sonido pop "típico". Su próximo disco, Help!, se acercaría más al folk-rock y más tarde Rubber Soul tomaría un sonido más complejo y maduro. Este álbum, a pesar de que sigue manteniendo un estilo pop-rock en algunas canciones, mostraba una transición en el sonido de los Beatles, que se alejaban del pop alegre y marchoso para acercarse un poco al folk y a las letras más reflexivas.

Por supuesto, ese pequeño cambio que se iba notando ya en este disco no afectó para nada a las ventas, que seguían siendo abrumadoras.

Grabación e historia del disco

Para entender bien este disco, hay que conocer un poco la situación que en esos momentos estaban viviendo los Beatles. Estaban en un momento de máxima popularidad. Todo el mundo quería ver a los Beatles, había conciertos muy a menudo, el horario del grupo estaba lleno constantemente, las discográficas querían que sacaran nuevos discos... La fama estaba agotando al grupo, la popularidad se estaba volviendo en su contra.

Estaban bastante cansados durante la grabación de Beatles for Sale. No hay que olvidar que estuvieron batallando con sus giras durante todo el año 1964 y gran parte de 1963. El éxito es una cosa muy bonita, pero también es muy, muy cansado - George Martin (productor)

La propia portada es una muestra de esa situación, con unos Beatles cansados frente a un fondo otoñal. En esos momentos llegaba la época de Navidad, y los productores no iban a desaprovechar la ocasión: Los Beatles debían sacar un disco para diciembre y aprovechar las ventas.

Una de las consecuencias de esta presión fue la incorporación de versiones de otras canciones, práctica que habían dejado atrás en su anterior álbum. Con ocho canciones compuestas por los Beatles y seis covers, la mayoría de ellas se grabaron en un tiempo récord de 3 semanas y en días libres entre gira y gira. Un horario increíble e inhumano, fruto de la explotación por parte de los productores, que conocían el gran negocio que existía en los Beatles.

Pero este corto período de grabación no impidió que el talento de los Beatles para componer fuera tan bueno como siempre. A consecuencia de las duras condiciones de vida comentadas anteriormente, los Beatles empezaron a crear canciones más tristes que las de sus anteriores álbumes, que siempre mostraban una cara feliz y alegre de la vida. Tanto en las letras como en el sonido, el cambio estaba empezando, los Beatles habían decidido que era hora de empezar a renovarse. Por ahora este giro musical es pequeño y algo disimulado, pero en sus dos próximos discos veremos cómo se consuma este cambio en su carrera musical.

Canciones

Al estilo rock-pop y rock and roll típico de los Beatles se les suma en este disco el folk y el folk rock (e incluso un cierto toque country en algunas canciones). Este estilo más pausado se combina con letras más reflexivas y con temas más extraños para la música pop, como la tristeza o el resentimiento. En este disco, los únicos integrantes que compusieron fueron McCartney y Lennon, con un total de 8 canciones. Las otras seis que componen el álbum pertenecen a diversos autores. A continuación dejo la lista de canciones con su autor y su cantante principal en el disco:

- No Reply: Compuesta por Lennon-McCartney y cantada por Lennon
- I'm a Loser: Compuesta por Lennon-McCartney y cantada por Lennon
- Baby's in Black: Compuesta por Lennon-McCartney y cantada por ambos
- Rock and Roll Music: Cover de Berry y cantada por Lennon
- I'll Follow the Sun: Compuesta por Lennon-McCartney y cantada por McCartney
- Mr. Moonlight: Cover de Johnson y cantada por Lennon
- Kansas City: Cover de Leiber-Stoller y cantada por McCartney
- Eight Days a Week: Compuesta por Lennon-McCartney y cantada por Lennon
- Words of Love: Cover de Holly y cantada por Lennon-McCartney
- Honey Don't: Cover de Perkins y cantada por Ringo Starr
- Every Little Thing: Compuesta por Lennon-McCartney y cantada por ambos
- I Don't Want to Spoil the Party: Compuesta por Lennon-McCartney y cantada por ambos
- What You're Doing: Compuesta por Lennon-McCartney y cantada por McCartney
- Everybody's Trying to Be my Baby: Cover de Perkins y cantada por Harrison

El disco comienza con tres canciones cantadas y compuestas mayormente por Lennon. "No Reply", "I'm a Loser" y "Baby's in Black" suponen un comienzo que refleja perfectamente el estado de ánimo del disco en general, con un tono triste y algo desesperado. De estas tres primeras, quizás la que más destaque sea "I'm a Loser", una canción con un estilo folk muy influenciado por Bob Dylan y una letra más profunda (por ejemplo, el estribillo viene a decir: Soy un perdedor, y perdi alguien que esta cerca mio, soy un perdedor, y no soy lo que aparento ser). Esta canción narra la aventura de un desamor y la posterior depresión del cantante, que piensa que no vale para nada y se autodenomina como un "perdedor".

Probablemente, la canción que más éxito tuvo de todo el disco fue "Eight Days a Week". Siendo uno de los sencillos del álbum, llegó al número uno en EE.UU. El curioso título de la canción viene de una frase de Ringo, que se quejaba del gran trabajo que tenían en esa época y de que debían trabajar ocho días a la semana para completarlo. Con un estilo que vuelve a tomar alegría y ritmo creciente, esta canción fue fruto de bastante experimentación por parte del grupo, que llegó a grabar varias introducciones.

Si miramos el disco de una forma más general, nos encontramos con un predominio del folk-rock ("No Reply", "I'm a Loser", "Baby's in Black", "I'll Follow the Sun", "What You're Doing") y del rock and roll - pop/rock ("Rock & Roll Music", "Kansas City", "Eight Days a Week", "Words of Love", "Every Little Thing", "Everybody's Trying to Be My Baby"). Sin embargo, también se mezclan otro géneros, como el country rock - rockabilly ("Honey Don't", "I Don't Want to Spoil the Party") o el soul ("Mister Moonlight").

Recepción del público y la crítica

Como es de esperar, triunfa en ambos aspectos. Los Beatles tenían el apoyo de ambas partes.

Al igual que el resto de los discos de los Beatles, fue todo un éxito de ventas. Antes de publicarlo ya habían 700.000 discos reservados por los fans, y en cuestión de días se situó en lo más alto de las listas de ventas británicas. En total, el disco pasó 11 semanas en el primer puesto de ventas y 46 en la lista. La Beatlemanía estaba en todo su esplendor en ese momento y nadie estaba dispuesto a perderse un disco de los Beatles. Además, recordemos que habían lanzado el disco justamente en Navidad, lo cual siempre es un gran empujó para vender cualquier producto.

La crítica también se mostró de acuerdo con el disco. Por citar las calificaciones de algunas críticas musicales modernas, podemos ver que Allmusic le otorgó 5/5 estrellas, Blender 3/5 estrellas, y Pitchfork Media un 9'3 sobre 10. No llega a la calidad de sus composiciones más maduras, pero sin ninguna duda muestra el innato genio y talento de los Beatles.

Portada

La portada de este álbum es muy acertada, ya que representa a la perfección el estilo que había tomado. Mirándola detenidamente se ve a unos Beatles cansados, agotados y serios. La foto, tomada por Robert Freeman (uno de los fotógrafos habituales en la carrera de los Beatles, creador de más de una portada de sus discos), se hizo en el Hyde Park de Londres un frío día otoñal. Después de unas cuantas sesiones fotográficas, extrajeron la que más se parecía a la música. El estilo folk, reflexivo y cansado del disco se ve plasmado en esta maravillosa foto, que ya nos anuncia lo que vamos a escuchar.

Fuentes

Beatles for Sale - Wikipedia
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The Beatles (4ª parte) A Hard Day's Night

Continuamos hoy con la serie de los Beatles, (la cual dejamos un poco abandonada al empezar con Queen), hoy con su tercer disco, A Hard Day's Night.

Lanzado en el año 1964, consiguió volver a colocar a los Beatles en el nº1 de las listas y lo mantuvo allí durante 21 semanas. Por primera vez en los Beatles, las trece canciones del disco eran completamente originales (todas compuestas por Lennon/McCartney).

Grabación e historia del disco

Los Beatles, que venían directamente del número 1 con su anterior disco, se preparaban para hacer una película. A Hard Day's Night, su primera incursión cinematográfica, se estaba gestando al mismo tiempo que el disco homónimo (que le serviría de banda sonora). El guión de la película era básicamente una versión cómica de la dura vida de los Beatles, siempre tocando de un lado para otro, siempre perseguidos por las fans, sin un momento de descanso.

La película, grabada en blanco y negro y producida durante un período de dieciséis semanas, tuvo tanto éxito como el resto de los discos, con críticas tan positivas como:

Una de las más suaves, frescas y más divertidas películas que jamás se han hecho con fines de explotación

Hoy, cuando miramos la televisión y vemos el corte rápido, cámaras de mano, fragmentos de diálogos intercalados rápidamente, música acompañando a un documental y todas las demás cosas modernas, estamos mirando a los chicos de A Hard Day's Night

Ahí va un tráiler de la película:



Respecto a la recepción del público, creo que basta con decir que la película recaudó unos presupuestos 30 veces superiores a los costes de producción. Aunque, eso sí, hay que reconocer que la película fue relativamente barata de producir. El gran éxito de los Beatles, que transformaban en oro todo lo que tocaban, hizo el resto.

En fin, la película, las giras y la grabación de nuevas canciones alargaron la grabación del disco durante cinco meses. En ellos, los Beatles produjeron un disco menos oscuro que el anterior, con más optimismo y alegría. El disco se caracteriza sobre todo por el ritmo contagioso y la velocidad que tienen todas las canciones. Al fin y al cabo, hay que entender que iban a acompañar a una película cómica, con frescura y "juventud".

Si bien es cierto que la mayoría del disco sirve como banda sonora, en el álbum se incluyen seis canciones que fueron descartadas y que no aparecieron en la película (en la cual aparecen siete). Por tanto, es mejor escuchar el disco para disfrutar verdaderamente A Hard Day's Night.

Canciones

El disco, caracterizado por un estilo de pop/rock y rock and roll, tiene 13 canciones originales (y como dijimos antes, un gran paso para los Beatles el de no incluir ningún cover), todas ellas compuestas por Lennon/McCartney (aunque realmente Lennon tuvo más protagonismo que McCartney a la hora de componer, y se le atribuye a él la mayoría del álbum). A continuación, comentaremos algunos aspectos sobre ellas de forma general (y en particular sobre las más importantes), pero antes vamos a ver el listado completo de canciones y el vocalista principal en cada caso:

-A Hard Day's Night - Cantada por Lennon
-I Should Have Known Better - Cantada por Lennon
-If I Fell - Cantada por Lennon y McCartney
-I'm Happy Just to Dance with You - Cantada por Harrison
-And I Love Her - Cantada por McCarteny
-Tell Me Why - Cantada por Lennon
-Can't Buy Me Love - Cantada por McCartney
-Any Time at All - Cantada por Lennon
-I'll Cry Instead - Cantada por Lennon
-Things We Said Today - Cantada por McCartney
-When I Get Home - Cantada por Lennon
-You Can't Do That - Cantada por Lennon
-I'll Be Back - Cantada por Lennon

Sin duda, la canción más importante del disco es A Hard Day's Night, que inicia tanto el disco como la película. Un guitarrazo nada más empezar nos engancha a la canción, que da paso a una melodía rápida, aderezada con las armonías vocales de John y Paul. A mitad de la canción, se introduce el rápido solo de guitarra de Harrison, que deja continuar la canción hasta por fin llega al final mientras reduce cada vez más la intensidad. Una canción de 5 estrellas, una de las más conocidas de los Beatles. El título de la canción/disco/película viene de una equivocación de palabras de Ringo, que después de unas duras jornadas dijo "It's been a hard day" (¡ha sido un día duro!), pero entonces se dio cuenta de que ya era de noche y dijo "'s night!" (¡es de noche!)

Más lentas que la anterior canción son "If I Fell" y "And I Love Her", dos baladas que también tienen bastante importancia en el disco. Con una guitarra acústica (de más importancia en la segunda balada) y varias armonías vocales, estas dos canciones dan algo de descanso entre el frenético ritmo general del disco.

De forma más general, podemos comentar que en este disco aparecen sobre todo canciones rápidas (como "When I Get Home" o "I Should Have Known Better"), pero también hay baladas más dulces (la mejores son "And I Love Her" y "If I Fell") e incluso una canción con toques country (I'll Cry Instead).

Recepción del público y la crítica

Si dijimos que la película fue todo un éxito, por supuesto el disco no se queda atrás y sigue triunfando.

Por parte del público, alcanzó automáticamente el nº 1 de ventas (pero esperad... ¿sabéis quién tenía el nº1 cuando A Hard Day's Night subió al poder? Exacto, el anterior disco de los Beatles, "With the Beatles"). Este disco permaneció en el primer puesto durante 21 semanas y se mantuvo en la lista durante un total de 38 semanas. Nada raro para ellos.

Por parte de la crítica, obtiene calificaciones excelentes. Medios actuales como Allmusic, Blender o Pitchfork Media han calificado al álbum con 5 estrellas, 4 estrellas y un 9.7/10 respectivamente. En el 2000, la revista "Q" lo situó en el quinto puesto en su lista de los 100 mejores álbumes británicos de todos los tiempos. En el 2003, la revista Rolling Stone lo clasificó en el número 388 en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Portada

Como podéis ver arriba, la portada (diseñada por Robert Freeman) muestra a los cuatro Beatles en diferentes posiciones (atención a la tercera casilla de Harrison, no se le ocurrió mejor pose que ponerse de espaldas). En forma de cuatro series de cinco casillas cada una, los Beatles le dan un toque cómico al álbum, muy relacionado con el optimismo y estilo presente en él. De ella poco más se puede comentar, no es una de las más famosas de los Beatles, pero cumple bastante bien el cometido en ese álbum. De nuevo aprovecha el tirón comercial que tenía la cara de los Beatles.

Y hasta aquí el tercer disco de los Beatles. El próximo, Beatles for Sale.

Fuentes

-A Hard Day's Night (álbum) - Wikipedia
-A Hard Day's Night (película) - Wikipedia
-A Hard Day's Night - La Caverna

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