Queen (12ª parte) A Kind of Magic

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Queen ya estaba metido de lleno en la década de los ochenta. Tras el lanzamiento de su disco The Works, que agradó bastante a los fans originales del grupo, se puede decir que ya había conseguido adaptarse a la perfección al sonido de los sintetizadores. Seis años después de introducir por primera vez este instrumento, allá por los comienzos de la década (con The Game), la buena fusión que había salido como resultado de la mezcla entre el sonido original y la inclusión de sintetizadores era algo ya más que evidente para todos los fans y críticos musicales.

A Kind of Magic es la confirmación de esta mejora. Y es que muchas de las canciones que componen el disco han pasado a formar parte de las imprescindibles en cualquier recopilación o concierto del grupo.

Este disco es, en definitiva, un éxito más en la larga carrera de Queen que, por desgracia, se acercaba cada vez más a su trágico fin (su próximo disco, The Miracle, se convertiría ya en el antepenúltimo de la banda y el penúltimo en el que participó Freddie Mercury).

Grabación e historia del disco

A Kind of Magic surgió en realidad como una banda sonora para la película Highlander (Los inmortales). Todo comenzó con la llamada de Russell Mulcahy, director de la película, que consideraba a Queen como el grupo perfecto para su proyecto. "La película necesitaba su energía", llegó a comentar años después. Pero los directores de la película no eran los únicos encantados con la idea: También el grupo amaba la idea de ser los responsables de la banda sonora.

Antes de que comenzaran a grabar nada, Mulcahy les enseñó en primicia veinte minutos de la película. El grupo quedó tan impresionado que ese mismo día empezaron a escribir sus primeras ideas basadas en lo que habían visto. Sabiendo esto, es fácil adivinar de dónde provienen muchos de los títulos de las canciones. Así, Brian May compuso Who Wants To Live Forever pensando en una escena en la que el inmortal protagonista ve morir a su amada y Roger Taylor compuso It's A Kind Of Magic tomando como título la palabra que usa para describir esa inmortalidad.

A pesar de todo esto, es necesario aclarar que las canciones que aparecen en el disco A Kind of Magic no son exactamente las mismas que aparecieron en la película. El grupo rehízo buena parte del material y cambió ciertos aspectos para adaptarlo mejor al formato (no es lo mismo una música destinada a ser una banda sonora que la que aparece en un disco normal). La música intacta que apareció en Highlander nunca se presentó en forma de banda sonora.

Centrándonos un poco más en el estilo del disco, podemos observar fácilmente que, a pesar del continuo contacto con los sintetizadores, no se pierde nunca la esencia del grupo. De nuevo, habían vuelto a conseguir la fórmula mágica para poder innovar sin perder la fidelidad de sus más viejos fans.

Como parte de la promoción del disco, Queen realizó la famosa gira Magic Tour, que se acabaría convirtiendo en la última del grupo. Mención especial merece el concierto de Wembley, que personalmente considero el mejor de la banda (además de ser uno de los últimos en el que aparecerá Freddie Mercury, debido a los problemas que desarrollaría más tarde por culpa del sida). Toda esta gira fue un espectáculo audiovisual, poniendo especial atención al juego de luces, colores y pantallas sobre el escenario (característica típica del arena rock, género en el que a menudo se encuadra a Queen). Como era de esperar, el buen trabajo obtuvo su recompensa y logró reunir una enorme afluencia de público.

Canciones

El estilo de las canciones es bastante variado. Predomina el rock clásico de Queen mezclado con sintetizadores que ya hemos comentado anteriormente (A Kind of Magic, Friends Will Be Friends, Don't Lose Your Head), pero también tiene bastantes canciones de hard rock (One Vision, Gimme the Prize, Princes of the Universe), baladas más dulces (One Year of Love, Pain Is So Close to Pleasure) e incluso una canción cercana al rock sinfónico (Who Wants to Live Forever).

Como viene siendo habitual, en la composición de las canciones participaron casi a partes iguales todos los integrantes (aunque destacan May y Mercury). A continuación dejo la lista completa de canción y sus compositores:

01. One Vision - Compuesta por todos los integrantes
02. A Kind of Magic - Compuesta por Taylor
03. One Year of Love - Compuesta por Deacon
04. Pain Is So Close to Pleasure - Compuesta por Mercury/Deacon
05. Friends Will Be Friends - Compuesta por Mercury/Deacon
06. Who Wants to Live Forever - Compuesta por May
07. Gimme the Prize (Kurgan's Theme) - Compuesta por May
08. Don't Lose Your Head - Compuesta por Taylor
09. Princes of the Universe - Compuesta por Mercury

Las canciones más famosas de este disco (o, al menos, las que yo considero más representativas del disco) son One Vision, A Kind of Magic y Who Wants to Live Forever. Las comento más detalladamente a continuación:

One Vision, una canción hard rock, se convirtió automáticamente en la ideal para iniciar los conciertos. Su introducción, basada en la voz distorsionada de Brian May, era el modo ideal de crear algo de tensión inicial que iría creciendo hasta desembocar en una canción rápida y frenética. No apareció en la película Highlanders, aunque posteriormente se usó en Iron Eagle. Al final de la canción podemos encontrar otra anécdota: Una frase que debería incluir las palabras "One Vision" se intercambiaron por "Fried Chicken", divertido juego de palabras que habían decidido introducir porque uno de los días en el que la estaban grabando cenaron pollo frito.

A Kind of Magic, canción homónima del disco y al mismo tiempo la más popular, es un perfecto ejemplo del estilo de música (sintetizadores, pero con moderación) que más solía tocar el grupo en ese momento. Aquí se puede observar un dato que comentamos anteriormente: La canción que aparece en la película es diferente a la del disco. Mientras que la versión aparecida en Highlanders tiene un sonido más cercano al rock, la que aparece en el disco tiende más hacia el pop. Su éxito inmediato la convirtió enseguida en una de las canciones más recordadas de la banda.

Y, por último, tenemos una canción fácilmente distinguible del resto: Who Wants to Live Forever. Una delicada composición de Brian May con preciosos sonidos que recuerdan a arreglos orquestales. Esta canción tiene un toque diferente y nada habitual en un grupo de rock. En su videoclip se utilizaron cientos de velas, La National Philharmonic Orchestra y un coro de cuarenta niños para crear la atmósfera adecuada. Es, sin ninguna duda, uno de los mejores ejemplos que demuestran la gran movilidad de Queen para tocar diversos géneros musicales.

Recepción del público y la crítica

El éxito del disco fue, en general, arrollador. Si bien es cierto que las críticas no destacaron (es decir, no era uno de los mejores discos del grupo, pero se mantenía en la excelente línea general), las ventas fueron increíbles.

La opinión profesional tuvo críticas un tanto dispersas. Mientras que la revista Rolling Stone (cuya irracional e injusta manía con Queen es sobradamente conocida por los lectores de este blog) lo criticó duramente, otras publicaciones como The Times lo describió como "uno de los más espectaculares éxitos lanzados este año". Dejando a un lado las críticas de ambos extremos, hay que decir que la tónica general fue la de alabar el disco como un buen trabajo, pero sin destacarlo de forma especial sobre el resto de la discografía.

Por parte del público, las ventas fueron magníficas (apoyadas bastante por el ya mencionado concierto Magic Tour). Alcanzó el disco de platino en países como Estados Unidos, Reino Unido y varias zonas de Europa, así como los primeros puestos en Francia, Italia, Irlanda...


Portada

La colorida portada del disco proviene del videoclip de la canción A Kind of Magic. Éste fue llevado a cabo por el propio director de Highlanders, y fue protagonizado por Freddie en el papel de mago y el resto del grupo en el papel de unos vagabundos convertidos en músicos. Lo que más impresionó del vídeo fueron las avanzadas técnicas de animación que presentaba, poco habitual en los vídeos musicales de la época.

En definitiva, el vídeo debió de gustarle bastante al grupo, que decidió usar las animaciones para decorar la portada del disco. Un detalle para los más fans: Éste fue el primer álbum cuyo nombre era el de una de las canciones que lo integraban, pero desde entonces todos los siguientes álbumes acogieron esta costumbre (The Miracle, Innuendo y Made in Heaven).

Fuentes

A Kind of Magic - Wikipedia (English)
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Queen (11ª parte) The Works

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The Works fue uno de los discos que mejor acogida tuvo entre los fans más acérrimos de Queen. Tras la decepción que supuso para muchos el cambio de estilo musical del anterior disco, Hot Space (el cual incluía muchos sintetizadores y un estilo más cercano al pop-dance), The Works se convirtió en un regreso al sonido rockero original de Queen. Pero este retorno a las raíces del grupo se hizo de una forma muy especial, como sólo los integrantes de Queen sabían hacerlo: Combinaron a la perfección los ya habituales sintetizadores con un estilo que recordaba perfectamente a su primera época.

Y lo cierto es que, desde que empezaran a usar sintetizadores con la publicación de The Game, este disco fue probablemente uno de los que mejor aplicó los sintetizadores a su estilo original. Como reconocieron algunos de los integrantes de Queen, ellos querían seguir explorando las posibilidades del sintetizador y experimentar con él, pero tampoco querían olvidarse de sus orígenes.

Grabación e historia del disco

Tras la publicación del disco "Hot Space" en 1982, Queen decidió tomarse un pequeño descanso. Los integrantes del grupo querían probar a desarrollar sus carreras en solitario. Por ejemplo, Freddie Mercury aprovechó esta separación momentánea del grupo para empezar a grabar el que sería su primer disco solista, Mr. Bad Guy. Por su parte, Brian May se dedicó también a crear, junto a Eddie Van Halen, su primer disco solista, Star Fleet Project. Respecto a Roger Taylor, él ya había lanzado su primer disco en 1981, pero también aprovechó este tiempo para preparar el segundo, Strange Frontier.

Pero esto no significa en absoluto que el grupo se hubiera cansado de componer unido. Todo lo contrario. Este fue el primer disco que Queen grabó en Estados Unidos (en Los Ángeles, más concretamente), y tenían en mente dos proyectos nuevos: Por un lado, grabar el disco de The Works, y por otro grabar la banda sonora de una película, The Hotel New Hampshire. Queen venía cargado de nuevas ideas y un montón de canciones en mente.

Sin embargo, a pesar de este aluvión de ideas, al grupo no le gustaba demasiado cómo estaba quedando la banda sonora que estaban desarrollando paralelamente, además de que les robaba mucho tiempo. Por ello, acabaron decidiendo que iban a concentrarse únicamente en The Works y que iban a abandonar la película en la que estaban trabajando.

Pero, por suerte, el poco tiempo que estuvieron trabajando en la banda sonora no fue desaprovechado. Una de las canciones que habían grabado les gustó bastante y decidieron convertirla en una pista de The Works. Esta canción era Keep Passing the Open Windows, compuesta por Freddie Mercury.

A pesar de que este disco sólo tuvo 9 canciones (unas cuantas menos de lo que es normal en Queen) durante esta época el grupo creó muchas otras canciones que, por unas causas u otras, no fueron incluidas en el álbum. Algunas de estas canciones sólo eran bocetos que nunca acabaron por desarrollarse, pero muchas otras se acabaron convirtiendo en canciones para posteriores discos (por ejemplo, el último disco del grupo, Made in Heaven, se nutrió de algunas de estas composiciones).

Tras el lanzamiento del disco, Queen inició una nueva gira, The Works Tour, que tuvo un enorme éxito. En estos conciertos, el grupo empezó a usar una decoración espectacular, enormes focos de luz, telones, pantallas... Fue un despliegue visual digno de la calidad del grupo. De hecho, muchas veces se encuadra a Queen dentro del género "arena rock", un estilo musical caracterizado principalmente por los enormes conciertos. Estadios deportivos se llenaban al completo (véase por ejemplo el concierto de Queen en Wembley, que se realizaría unos años después) y el grupo creaba un ambiente de luces, láseres, humos... Todo estaba cuidado hasta el máximo detalle.

Canciones

Como ya hemos comentado, el estilo predominante en las canciones de este disco es el del rock clásico de Queen ("Tear it up", "Hammer to Fall", "Keep Passing the Open Window"), un rock muy influenciado por los sintetizadores ("Radio Gaga", "Machines (Or Back to Humans)"), baladas ("It's a Hard Life", "Is This the World We Created?") e incluso una pieza de rockabilly ("Man on the Prowl")

En la grabación del disco participaron prácticamente todos los integrantes del grupo (destaca la composición de John Deacon, quien solía componer pocas veces, pero cuando lo hacía, lo hacía realmente bien). Como siempre, os dejo la lista completa de canciones y su compositor/es principal/es:

1- Radio Ga Ga - Roger Taylor
2- Tear It Up - Brian May
3- It's a Hard Life - Freddie Mercury
4- Man on the Prowl - Freddie Mercury
5- Machines (Or 'Back to Humans') - Brian May y Roger Taylor
6- I Want to Break Free - John Deacon
7- Keep Passing the Open Windows - Freddie Mercury
8- Hammer to Fall - Brian May
9- Is This the World We Created...? - Freddie Mercury y Brian May

Las canciones más famosas del disco son, sin lugar a dudas, Radio Gaga y I Want to Break Free. Desde su aparición en este disco, se convirtieron en un indispensable de los conciertos, en unos verdaderos clásicos del grupo.

Radio Gaga es una de las canciones que mejor representa el estilo de este álbum: Tiene un estilo bastante rockero, pero se está basada enteramente en sintetizadores. En un principio, esta canción se iba a llamar "Radio Ca-Ca", ya que el batería, Roger Taylor, había escuchado cómo su hijo había dicho esa frase y le resultó graciosa. Sin embargo, la acabó cambiando a "Gaga" porque, además de que tenía más musicalidad, en muchos idiomas (como el español) caca viene a significar "excrementos"...

Esta siempre fue una de las canciones preferidas de los conciertos de Queen. Freddie Mercury lograba que todo el público se sincronizara para aplaudir al mismo tiempo que la canción.

Otro de los aspectos más destacados de esta canción es su famoso videoclip. El gobierno alemán concedió los derechos para utilizar la película Metropolis, de 1926. Además, en el vídeo aparecen cientos de fans voluntarios que se presentaron para crear el videoclip junto al grupo.

Vayamos ahora con I Want to Break Free. Con una letra claramente a favor de la libertad, se adoptó en muchos lugares en un himno contra la opresión. La canción, al igual que la anterior, usa bastantes sintetizadores, pero los acopla perfectamente al estilo clásico del grupo, creando una canción indispensable en cualquiera de sus conciertos.

Hay una curiosa anécdota con el polémico videoclip de esta canción. En él, el grupo parodia una telenovela llamada "Coronation Street", vestidos de mujer. Sin embargo, en Estados Unidos lo malinterpretaron (en aquella época se estaba llevando un verdadero acoso periodístico con Freddie y su homosexualidad), por lo que censuraron el vídeo. En respuesta, Queen decidió no dar conciertos en EEUU ese año, alegando que no apoyaban la censura a un vídeo que llevaba la palabra "libre" en su nombre.

"En el pasado habíamos rodado algunos grandes vídeos, muy serios, y sólo queríamos que la gente supiese que no nos tomábamos tan en serio, que podíamos reírnos de nosotros mismos. Creo que lo demostramos" - Roger Taylor

Recepción del público y la crítica

"Otra joya en la corona"

Así calificaba la revista Record Mirror a este disco. Lo cierto es que resume bastante bien la opinión general, tanto del público como de la crítica, sobre este disco.

El disco llegó a convertirse en disco de oro y platino en lugares como Reino Unido, Estados Unidos, España, Holanda, Portugal... En estos dos últimos países también llegó al número uno de las listas de ventas, y en zonas como Reino Unido, Austria o Noruega llegó a la número 2.

Respecto a la crítica profesional, como hemos comentado ya, tuvo una buena acogida (tampoco fue tomado como el mejor disco del grupo, pero fueron críticas bastante favorables) y la opinión general fue la de que "Queen había vuelto a sus orígenes". Por poner algunos ejemplos, la revista Prog Archives le dio 4 estrellas sobre 5, la Rolling Stone lo calificó como "Favorable", y el portal Allmusic le dio 3 sobre 5.

Portada

La creación de la carátula fue dirigida por el propio grupo, que contrató al fotógrafo George Hurrell (un famoso fotógrafo que tuvo una gran relevancia en el mundo del cine) para tomar la fotografía. Mostraba el ya asentado estilo estético de los ochenta.

Respecto al título del álbum, viene de un comentario lanzado por el batería del grupo, Roger Taylor: "Let's give them the works!". Queen se había entregado completamente a la creación del disco, habían empleado un gran trabajo en la composición de las canciones. De ahí viene el nombre: Era todo un verdadero "trabajo" por parte del grupo.

Fuentes

The Works - Wikipedia
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Queen (10ª parte) Hot Space

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Hot Space siempre fue un disco controvertido. Anteriormente, ya habíamos visto cómo The Game introducía una gran innovación: los sintetizadores. En su día ya comenté que este cambio tuvo bastante éxito y el grupo renovó su estilo con excelentes resultados. Pues bien, con Hot Space encontramos un nuevo cambio mucho más radical: La mayor parte de estas canciones tendrán un estilo disco/funk. Este cambio de estilo, que se alejaba de su rock tradicional, no fue muy bien recibido por la crítica y decepcionó enormemente a algunos fans del grupo que preferían el sonido tradicional.

Personalmente, he de decir que, exceptuando tres o cuatro canciones bastante buenas (ya profundizaré en ellas más adelante), no me gusta demasiado el estilo de este disco y siempre lo he considerado uno de los más flojos de su discografía. Por suerte para los que no nos gusta este cambio, el siguiente disco de Queen, The Works, volvería con mucha fuerza para recuperar el verdadero estilo del grupo.

Eso sí, el disco Hot Space guarda algunas joyas como "Under Pressure", la cual realiza en colaboración con David Bowie (los que me seguís desde hace tiempo ya conoceréis mi afición por Bowie, otro de los grandes de la música rock). Dicho esto, comencemos con el análisis:

Grabación e historia del disco

El disco fue grabado entre septiembre de 1981 y marzo de 1982. Como ya hemos comentado antes, su estilo cambió completamente hacia el disco/funk. Pero, ¿por qué? ¿por qué un grupo como Queen, lleno de fans y alabado por la crítica, se arriesgó a hacer algo tan peligroso y controvertido para su carrera? Para encontrar la respuesta debemos retroceder un poco en el tiempo. Si recordamos bien, el disco "Jazz" tuvo poco éxito y las críticas no fueron demasiado buenas. Sin embargo, cuando se publicó "The Game", el single Another One Bites The Dust, de clara influencia disco/funk, tuvo un éxito arrollador y fue un superventas mundial. Como es evidente, tras comprobar este éxito, el grupo decidió crear un nuevo disco basado en el estilo de esa canción.

Sea como sea, el grupo no hizo este cambio sólo por "aprovechar el tirón". Y buena prueba de ello es el propio Freddie Mercury, que siempre estaba ansioso por explorar nuevos ritmos y sonidos. Gracias a Hot Space, Freddie pudo explorar muchísimos sonidos nuevos. Por ejemplo, el sintetizador fue usado en muchísimas ocasiones, las líneas de bajo empezaron a aparecer con más frecuencia, y los solos de guitarra, algo imprescindible en Queen, fueron eliminadas en algunas canciones. En definitiva, fue un disco con mucha experimentación y búsqueda de sonidos nuevos (por ejemplo, en la canción "Las Palabras de Amor" se introdujeron fragmentos en castellano).

Junto a Freddie, otro que se sentía feliz con este cambio fue John Deacon (creador de Another One Bites the Dust), al que siempre le gustó este tipo de música (estas preferencias musicales pueden verse claramente en cualquier otro disco). Sin embargo, el disco también mantenía una parte más dura, llevada a cabo principalmente por Brian May, quien siempre es el responsable de las canciones más rockeras del grupo.

Junto al disco, Queen realizó una extensa gira de conciertos por todo el mundo. Tras empezar con unos conciertos en Suiza, el grupo pasó por Noruega, Francia, Bélgica, Países Bajos, Alemania, Austria, Escocia, Inglaterra... Y no sólo hicieron conciertos por Europa: Pasaron por Montreal (Canadá), Nueva York, Los Ángeles, Tokio... De hecho, los conciertos hechos en Japón supusieron el primer vídeo de un concierto en directo de Queen que se ponía a la venta, el famoso "Live in Japan".

Canciones

Hablemos primero de géneros. Hot Space tiene, principalmente, Funk-Rock y Dance, basados en la presencia abundante de bajos y sintetizadores (Staying Power, Dancer, Back Chat, Body Language, Cool Cat), las clásicas canciones de Rock (Action this Day, Put Out the Fire, Calling all Girls), baladas (Life is Real, Las Palabras de Amor) y la espléndida canción de Glam Rock en la que colabora David Bowie con su estilo particular: Under Pressure.

Al igual que en otros discos de Queen y como ya iba siendo costumbre, todos los integrantes del grupo participaron activamente en la creación de temas, aunque Freddie y Brian eran los más prolíficos. Como siempre, a continuación dejo la lista de temas y su compositor:

1. "Staying Power" - Freddie Mercury
2. "Dancer" - Brian May
3. "Back Chat" - John Deacon
4. "Body Language" - Freddie Mercury
5. "Action This Day" - Roger Taylor
6. "Put Out the Fire" - Brian May
7. "Life Is Real (Song for Lennon)" - Freddie Mercury
8. "Calling All Girls" - Roger Taylor
9. "Las Palabras de Amor (The Words of Love)" - Brian May
10. "Cool Cat" - John Deacon y Freddie Mercury
11. "Under Pressure" - Queen y David Bowie

Entre todas estas canciones, yo destacaría tres cuya calidad sobresale sobre el resto: Put Out the Fire, Life is Real y Under Pressure:

Put Out the Fire es una canción con un estilo mucho más rockero que el resto del disco. Compuesta por Brian May mientras estaba borracho, la guitarra goza de gran influencia y es el instrumento más importante, a diferencia de otras en las que predomina el bajo. El estilo pacifista de la canción está inspirado en la reciente muerte violenta de John Lennon.

Life is Real es otra canción inspirada y dedicada especialmente a John Lennon. Fue escrita por Freddie Mercury, quien, como ya sabréis, consideraba a Lennon como uno de los mayores héroes de su infancia (junto a Elvis Presley). El piano solitario de la canción busca imitar el sonido que lograba John, al igual que la voz apagada. Es una canción bastante triste, con una melodía lenta, reflejo de la tristeza de Freddie por la forma de morir que había tenido Lennon. Si nos fijamos bien en las semejanzas, se puede observar similitudes con canciones de Lennon como Love.

Y por último, el tema Under Pressure es para mí la mejor canción del disco. David Bowie hace una colaboración sensacional con Queen. Las voces de Freddie y David se combinan a la perfección en una canción más elaborada y compleja. Pocas veces podemos gozar de el lujo de que dos genios de la música de este calibre hagan una canción colaborativa. Entre sus características se encuentra un ritmo contagioso, unos coros muy bien situados, una línea de bajo muy aclamada y un vídeo muy original y acorde con la canción.

Recepción del público y la crítica

Hot Space conllevaba por sí mismo un gran riesgo. Y la verdad es que, a diferencia de otros cambios tomados a lo largo de la carrera del grupo, la prensa y los fans más fieles de Queen no se lo tomaron muy bien. Es uno de los pocos discos del grupo que no "gustaron" en general.

La crítica profesional no le dio calificaciones muy altas. El portal "Allmusic" le concedió 2'5 estrellas sobre 5 y la revista Rolling Stones le dio 3 estrellas sobre 5. Teniendo en cuenta las altas calificaciones que habían recibido sus otros discos, esta nota es bastante negativa.

El público respondió de mejor forma llegando a los primeros puestos en la lista de ventas en países como Austria u Holanda. Sin embargo, algunos aficionados al grupo se sintieron decepcionados con el cambio y no respondieron bien al disco. Esto se refleja en las calificaciones en las listas de ventas de Reino Unido y Estados Unidos, donde sólo llegó a la cuarta y a la vigésimo segunda posición respectivamente.

Portada

La portada, bastante colorida y acorde al estilo musical del disco, también representó un pequeño cambio. La idea fue de Freddie Mercury, y muestra a los cuatro integrantes del grupo, cada uno en su propio recuadro y con su propio color.

Entre otras cosas, vendría a representar la individualidad con la que trabajaban a veces los cuatro músicos a la hora de componer algunas canciones y los diferentes estilos que había entre sí.

Otro aspecto interesante es el título del álbum. Al parecer, surgió en una conversación a altas horas de la noche, cuando los cuatro miembros del grupo estaban bebiendo alcohol. Entre las risas y las tonterías, surgió la idea de que el disco tenía muchos espacios musicales abiertos, por lo que se terminó por imponer el "Hot Space".

Fuente

Hot Space - Wikipedia (English)
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Queen (9ª parte) The Game

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Creo que la mejor definición que le podemos dar a este disco es la de "cambio controvertido". Como ya comentamos en la anterior entrada, The Game es el primer disco de Queen en lo que yo denomino "su segunda época", que comienza justo en el año 1980, con la nueva década. Una época que cambió significativamente el estilo del grupo. En primer lugar, tenemos el uso de sintetizadores, los cuales habían sido ignorados por el grupo en discos anteriores. También se puede ver un cambio de estilo musical, es una etapa en la que Queen publicará sus "singles" más famosos. Además, este cambio también fue estético: El grupo renovó completamente sus peinados y ropas, y Freddie Mercury empezó a lucir su famosísimo bigote.

Como cualquier cambio, este nuevo estilo supuso críticas por parte de algunos sectores (principalmente, de aquellos que se sintieron decepcionados por la inclusión de sintetizadores), pero en general supuso un gran éxito y un soplo de aire fresco en la carrera del grupo. Es uno de los álbumes más vendidos de toda su carrera y contiene canciones bastante conocidas y que se quedaron grabadas en el repertorio del grupo en los conciertos en directo.

Grabación e historia del disco

El disco fue grabado entre junio y julio de 1979 y entre febrero y mayo de 1980. Sin duda, su rasgo más importante es el de incluir sintetizadores (un instrumento musical electrónico usado para crear sonidos de forma artifical) en la producción de algunas canciones. El grupo dijo que este cambio no era ningún tipo de traición (aunque resulte extraño, algunos fans se lo tomaron como tal), sino que simplemente era una búsqueda de un nuevo estilo, un intento de innovar. Y realmente lo hicieron bien. Queen se adaptó muy bien (tanto en este como en posteriores discos) al uso de sintetizadores.

Por supuesto, de forma inherente al uso de sintetizadores, el grupo también innovó en su estilo musical. A partir de este disco amplió bastante más su variedad musical, tomando estilos de moda en los ochenta y adaptando estos nuevos sonidos a su rock tradicional. Además, también profundizaron más en el uso del bajo, el cual usaron como base para muchas canciones (por ejemplo, para Another One Bites the Dust). Personalmente, he de decir que en algunos discos posteriores Queen se alejó demasiado de su estilo (el disco Hot Space nunca me ha gustado demasiado), pero en otros casos logró una combinación excelente de su sonido original y de los nuevos ritmos (véase el disco The Works, uno de mis preferidos en esta segunda etapa). Sea como sea, lo que sí podemos afirmar es que Queen no se quedó estancado, siempre intentó avanzar y perfeccionar su técnica musical con nuevas experiencias.

Hablemos ahora de su cambio estético. Con la entrada de la época de los ochenta, el grupo cambió de aires y reflejó ese cambio en sus ropas y peinados. Por ejemplo, John Deacon, bajista, se cortó el pelo y cambió su forma de vestir (Antes - Después). Roger Taylor, el batería del grupo, también sufrió un cambio similar (Antes - Después). Pero, si hay un integrante del grupo que destaca sobre los demás a la hora de cambiar de look, ese es Freddie Mercury. Su nuevo pelo corto y gran bigote pasaron a ser una de las imágenes más representativas del grupo (Antes - Después). Mención aparte merece Brian May, el guitarrista, que decidió no cambiar absolutamente nada de su vestimenta-peinado. De hecho, durante toda la carrera en Queen mantuvo siempre el mismo aspecto. A las pruebas me remito: Antes-Después.

También es destacable el hecho de que el grupo hizo numerosas giras mientras componía este álbum. Por ejemplo, algunos discos en directo como Live Killers o Crazy Tour datan de esa época (1979-1980). El grupo viajó por todo el mundo: Francia, Japón, Estados Unidos, Canadá, Reino Unido... Quizás estas giras ayudaron al enorme éxito comercial que tuvo el disco, como comentaremos más adelante.

Canciones

El disco "The Game" es la confirmación absoluta de la gran variedad de la que goza Queen. En este disco se introdujeron muchos nuevos estilos y, al mismo tiempo, se renovó su estilo tradicional. Por ejemplo, podemos encontrar un estilo conocido como Funk Rock, que se basa en la alta presencia de bajos, que a menudo llevan la melodía principal de la canción (Another One Bites the Dust, Dragon Attack, Don't Try Suicide), el rock tradicional (Need Your Loving Tonight, Rock It (Prime Jive), Coming Soon), baladas (Play the Game, Save me, Sail Away Sweet Sister (To the Sister I Never Had)), y una canción de rockabilly, un género que se caracteriza por mezcla country y rock (Crazy Little Thing Called Love)

Además, en este disco todos los integrantes compusieron varias canciones. Un caso especial es John Deacon, quien no suele componer demasiado, pero que se sintió muy cómodo con el cambio de estilo y se animó a crear unas cuantas canciones. A continuación dejo el listado completo y su compositor:

1. «Play the Game» - Freddie Mercury
2. «Dragon Attack» - Brian May
3. «Another One Bites the Dust» - John Deacon
4. «Need Your Loving Tonight» - John Deacon
5. «Crazy Little Thing Called Love» - Freddie Mercury
6. «Rock It (Prime Jive)» - Roger Taylor
7. «Don't Try Suicide» - Freddie Mercury
8. «Sail Away Sweet Sister (To the Sister I Never Had)» - Brian May
9. «Coming Soon» - Roger Taylor
10. «Save Me» - Brian May
11. «Dragon Attack» - Brian May

Sin ninguna duda, la canción más destacada del álbum en Another One Bites the Dust, la composición de John Deacon. Esta canción fue el single más vendido de todo el disco, cuyo éxito probablemente influiría de forma importante en las próximas decisiones del grupo a la hora de definir su temática musical. La canción estaba basada en el bajo, el cual lleva el ritmo de la canción. Este single que tenía un sonido cercano a la música disco iba a ser descartado en un principio, ya que el grupo no lo consideraba "lo suficientemente bueno". Sin embargo, cuando ya iba a ser eliminada, Michael Jackson la escuchó y les dijo al grupo que, en caso de descartarla, debían de estar locos. Animados por Jackson, el grupo la publicó como single y consiguió un enorme éxito. Personalmente (y recalco: personalmente) he de reconocer que no me gusta demasiado esta canción, nunca me convenció la melodía demasiado repetitiva en general y la poca presencia de guitarra eléctrica.

Otra canción muy destacable es Save me, una dulce balada compuesta por Brian y cantada por Freddie. De temática romántica y basándose en un piano principal, esta canción se ganó un puesto asegurado en cualquier actuación en vivo de Queen. También aparecería en posteriores recopilatorios de Queen como una de sus mejores baladas (junto a, por supuesto, Love of my Life).

Otra gran canción del álbum fue Crazy Little Thing Called Love. Esta canción la compuso Freddie mientras estaba cantando en la ducha (más concretamente, en un relajante baño de espuma, donde se dice que tardó sólo 10 minutos es componerla). Su estilo es fácilmente reconocible: Rockabilly inspirado en uno de los mayores héroes de Freddie, Elvis Presley. Tanto la guitarra como el estilo como la voz de Freddie son un claro homenaje al "Rey del rock".

Recepción del público y la crítica

El nuevo rumbo que tomó Queen en el álbum fue bastante existoso y tanto la crítica como el público aplaudieron este disco.

La crítica profesional le dio calificaciones generalmente altas: El portal Allmusic le dio 4'5 estrellas sobre 5, la Record Mirror le dio 4 sobre 5, la revista Q le dio 3/5 estrellas... En general gustó este cambio. No llegó a las calificaciones de discos como A Night at the Opera, pero se mantuvo en la buena línea de Queen.

Por su parte, el público recompensó al disco con una excelente acogida. The Game fue uno de los discos más vendidos, y, en especial, el single Another One Bites the Dust fue todo un éxito de ventas. Llegó a ser platino en Canadá, Estados Unidos, Reino Unido... Además, llegó al número uno en países como Argentina o Irlanda. También llegó al disco de oro en Austria, Alemania y Holanda. En definitiva, todo un éxito.

Portada

La portada es bastante representativa, mostrando el nuevo estilo con aire de los ochenta que vamos a encontrar. Los integrantes del grupo aparecen vestidos con unas chaquetas de cuero negra y muestran ya su nuevo estilo (aunque Freddie no tuviera todavía el bigote).

Un aspecto curioso sobre la portada es el título. En un principio, el grupo quería que se llamara como la primera canción: Play the game. Sin embargo, se dieron cuenta de que los críticos podrían pensar que era una alegoría de su cambio de estilo (Play the game = Juega el juego), el cual intentaba "seguir las modas, unirse al juego". Para evitar este malentendido, lo dejaron simplemente como "The Game".

Fuentes

The Game - Wikipedia
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Queen (8ª parte) Jazz

(NOTA: Si tienes Spotify, quizás preferirías escuchar el álbum aquí mientras lees el artículo)

Jazz siempre ha sido un disco bastante poco conocido, injustamente es uno de los más disimulados de la discografía de Queen. El séptimo disco del grupo, lanzado en noviembre de 1978, fue el último de la primera época de Queen, el último álbum de la etapa de los setenta. Su siguiente disco fue un cambio radical, como veremos más adelante. El repertorio es algo extraño, con 13 canciones que están algo fuera de lo normal (el ejemplo más claro es la rareza que inaugura el álbum, "Mustapha"), pero no por ello de menor calidad.

Lo cierto es que este disco es uno de los más criticados de toda su discografía por la crítica profesional, aunque no por ello vendió menos. Llegó a conseguir el disco de platino en países como Estados Unidos, Reino Unido, Canadá, Países Bajos... Sea como sea, el disco tenía canciones que se convertirían en verdaderos representantes del estilo de Queen, como por ejemplo "Don't Stop me Now" o "Bicycle Race".

Grabación e historia del disco

Grabado entre julio y octubre de 1978, el disco tenía una amplia variedad musical e incluía canciones únicas. Este álbum tiene bastantes diferencias con el estilo que se podía ver en "News of the World", ya que deja de ser la grabación "espontánea" que era el anterior disco para convertirse en una recopilación de temas más complejos, extraños y experimentales.

Sin duda, su principal característica es que será el último disco de Queen que tendrá la etiqueta de "Sin sintetizadores". Con su próximo disco, que fue lanzado en el año 1980, el grupo dará un cambio radical y empezará a introducir los sintetizadores que durante tanto tiempo habían rechazado. Con "Jazz", estamos escuchando el último disco de la primera época de Queen (si recordáis el artículo con el que empecé esta serie, ya sabréis que la carrera de Queen se divide en dos partes: La época sin sintetizadores, que acaba con este disco; y la época con sintetizadores, que empieza con el siguiente).

Pero Jazz no sólo representa eso, sino que también es el último disco en el que el grupo mantendrá su estética de los años 70s. Con el siguiente disco, Freddie Mercury ya lucirá su famoso bigote y se cortará el pelo (al igual que el resto de los integrantes, excepto Brian May, que nunca rechazará a su melena). A partir de entonces, el grupo empezará a mostrar una estética más ochentera (la cual es, sin ninguna duda, la más famosa y conocida por los fans del grupo).

Un punto importante para destacar de este álbum es la alta participación por parte de todos los integrantes a la hora de componer. Por ejemplo, el bajista John Deacon (quien suele componer una o ninguna canción por disco) se presentó con 2 temas para el disco; y el batería Roger Taylor (el cual tampoco suele componer con demasiada frecuencia) propuso otro par de temas. Freddie Mercury, que siempre suele ser el principal compositor, dijo más tarde en una entrevista que disfrutaba viendo que sus compañeros también gozaban de protagonismo en el disco, ya que es uno de los más variados de su discografía en cuanto a compositores se refiere.

Canciones

Como ya hemos dicho, este disco es bastante variado. Por un lado tenemos el rock progresivo ("Mustapha", "Bicycle Race"), baladas ("Jealousy", "In Only Seven Days", "Dreamer's Ball", "Leaving Home Ain't Easy"), hard rock ("If You Can't Beat Them", "Fat Bottomed Girls", "Let Me Entertain You"), un acercamiento a la música de los ochenta con "Fun it" e incluso una agresiva canción de heavy metal, "Dead on Time". También tenemos la rápida "Don't Stop me Now", clasificada normalmente en el género piano-rock (es decir, una canción rock basada en el piano). Y, finalmente, está la inclasificable "More of that Jazz", una mezcla de todas las canciones del disco junto a una melodía de rock pesado.

Curiosamente, en contradicción con la curiosidad que comentábamos antes de que todos los integrantes habían participado activamente en la creación del disco, todo el disco estaba cantado por Freddie Mercury, excepto tres canciones: "Fun It" (cantado por Roger Taylor), "Leaving Home ain't Easy" (cantado por Brian May) y "More of that Jazz" (cantado por Roger Taylor). Os dejo con el listado de canciones y su compositor:

1- Mustapha - Freddie Mercury
2- Fat Bottomed Girls - Brian May
3- Jealousy - Freddie Mercury
4- Bicycle Race - Freddie Mercury
5- If You Can't Beat Them - John Deacon
6- Let Me Entertain You - Freddie Mercury
7- Dead On Time - Brian May
8- In Only Seven Days - John Deacon
9- Dreamer's Ball - Brian May
10- Fun It - Roger Taylor
11- Leaving Home Ain't Easy - Brian May
12- Don't Stop Me Now - Freddie Mercury
13- More Of That Jazz - Roger Taylor

Sin ninguna duda, una de las canciones más conocidas y destacadas del disco es "Don't Stop Me Now". Esta canción está, como ya hemos dicho, basada en el piano de Freddie. La guitarra sólo aparece en el momento del solo, dejando más protagonismo a la batería y el bajo. Entre las curiosidades que tiene esta canción, podemos ver que el famoso programa automovilístico "Top Gear" la nombró como la mejor canción para conducir. Sin embargo, Brian May siempre la consideró como una de las que menos le gustaban de toda la carrera del grupo y dijo de ella que era una de las peores de la banda.

Otra canción destacable es "Bicycle Race", single que alcanzó unas ventas similares o superiores a "Don't Stop me Now". Con temática y sonidos relacionadas con el ciclismo (por ejemplo, los sonidos de las campanillas de las bicicletas a mitad de canción), es una frenética canción de rock progresivo. También tuvo mucha importancia el vídeo de la canción, el cual fue censurado en algunas ocasiones, ya que era una carrera ciclista de mujeres desnudas (de hecho, para poder ver el vídeo en Youtube es necesario registrarse como usuario).

Por último, también es digna de mención la extraña "Mustapha", una canción de sonido y letra árabe, aunque en realidad la mayor parte de la canción son palabras inventadas que tenían un acento oriental. De toda la canción, sólo "Mustapha", "Ibrahim" y las frases "Allah Allah Allah, we'll pray for you" y "Salaam Aleikum" son palabras realmente existentes. Esta canción es una gran apertura para este variado y singular disco, ya que muestra perfectamente que el grupo tiene más complejidad que en "News of the World" y que, al mismo tiempo, contiene canciones extrañas e incluso experimentales.

Recepción del público y la crítica

Este disco tiene una particularidad diferente a los anteriores: La crítica le dio malas puntuaciones pero, por el contrario, fue un éxito de ventas.

Como hemos comentado al principio, en su día el disco no tuvo mucho éxito entre la crítica profesional. Revistas como Rolling Stone o Creem dieron críticas bastante malas sobre el álbum y lo denominaron como "falto de creatividad". Sin embargo, con el tiempo, las nuevas revistas de crítica musical como Allmusic o Q han devuelto el buen nombre al disco y han dado críticas favorables (4 estrellas sobre cinco).

Los fans de Queen sí que supieron premiar el álbum y éste consiguió subir hasta los puestos más altos en diferentes países, llegando a obtener discos de oro en países como Francia, Alemania o Japón y discos de platino en EE.UU, Reino Unido o Canadá.

Portada

La portada, que a primera vista no tiene demasiado misterio (parece un disco de vinilo), es en realidad un diseño de Roger Taylor (el batería) inspirado en un dibujo pintado en el muro de Berlín. A Roger pareció gustarle bastante el dibujo y decidió adaptarlo como carátula. Por otra parte, las bicis que hay en la parte inferior hacen clara referencia a la canción "Bicycle Race", incluida en este álbum.

Fuentes

Jazz (álbum) - Wikipedia
Jazz (álbum) - Wikipedia (Englis)
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Queen (7ª parte) News of the World

(NOTA: Si tienes Spotify, quizás preferirías escuchar el álbum aquí mientras lees el artículo)

Lanzado el 28 de octubre de 1977, News of the World era ya el sexto disco de una banda
bien asentada y con bastante éxito internacional. Después de crear los álbumes "gemelos" A Night at the Opera y A Day at the Races, la banda decidió tomar un camino diferente y giraron hacia un estilo más ligero y menos complejo, con canciones más sencillas. Canciones de éxito internacional como "We are the Champions" o "We Will Rock You" se encuentran entre las 11 canciones que componen este álbum.

Alcanzó unas considerables ventas en Norteamérica (que llegaron a superar ampliamente a las del país natal, Reino Unido) y unas críticas bastante favorables (aunque también alguna negativa por el cambio de estilo). De hecho, este es, junto a "The Game", el disco de Queen más vendido en Norteamérica.

"En We Are The Champions, cuando decimos ‘nosotros’ quieres decir ‘nosotros y los fans’, cuando la tocamos en directo es maravilloso. Los fans la entienden estupendamente, sé que suena estúpido, pero nos dan ganas de llorar de la emoción que sentimos al oirles cantar"

Grabación e historia del disco

Como ya hemos dicho, este disco fue un cambio respecto a los dos anteriores. Rompiendo con las largas grabaciones que se alargaban meses, los integrantes del grupo grabaron todo el disco en sólo 10 semanas (la mitad de lo que se tardó en otros discos del grupo). Muchas canciones carecen de los arreglos musicales y remezclas que tanto caracterizan al disco, aunque no por ello tienen una peor calidad. Por ejemplo, la canción Sleeping on the Sidewalk se grabó en una sola toma y, además, casi sin querer: El grupo se puso a ensayar la canción sin saber que en realidad la estaban grabando. Fue una grabación espontánea.

El disco fue grabado en los estudios Sarm West y Wessex, pero hay que destacar que ese año el grupo estuvo constantemente de giras en diferentes lugares. Antes de empezar el disco, Queen hizo una extensa gira por Estados Unidos y otra más corta por Europa (especialmente en el Reino Unido, donde dio la enorme cifra de 12 conciertos). Si esto no era suficiente, tras la grabación del disco volvieron a hacer otra gira por Norteamérica, la cual fue la más larga de toda la historia del grupo. En el escenario Queen desplegaba un enorme espectáculo visual y muchas de las canciones del nuevo álbum se combinaban a la perfección con los clásicos del grupo. Probablemente esta publicidad que supusieron los conciertos fuera una de las causas del gran éxito que cosecharía "News of the World".

Sin duda, la historia de este disco se puede resumir en una sola palabra: rapidez. Fue un disco enérgico, lleno de canciones más rápidas y grandes singles. Y no sólo dentro del disco, sino también en el ambiente general del grupo, ya que estaban logrando completar uno de los años más atareados de su carrera respecto a los conciertos y grabaciones, que apenas dejaban descanso al grupo. A pesar de que hubo algunas críticas negativas diciendo que Queen había bajado sus estándares de complejidad musical, el disco fue una hazaña teniendo en cuenta la rapidez con la que se grabó.

Canciones

Como suele ocurrir en todos los discos de Queen, encontramos bastantes géneros en este álbum. Sobre todo predomina el rock clásico o "duro" ("We Will Rock You", "We Are the Champions", "Fight From the Inside", "Sleeping on the Sidewalk", "It's Late"), pero también encontramos baladas más lentas ("All Dead All Dead", "Spread your Wings", "My Melancholy Blues") rock progresivo ("Get Down Make Love") e incluso un estilo cercano al punk ("Sheer Heart Attack"). Sin embargo, la prueba de que Queen era un grupo variado y dispuesta a innovar es la canción "Who Needs You", que tiene un estilo relajante y acústico que no se vuelve a repetir en toda su carrera.

Como siempre, os dejo la lista de canciones con el compositor y el cantante, ya que en este disco Freddie canta menos canciones de las habituales (el compositor va primero y a continuación el cantante principal):

1- "We Will Rock You" - Brian May - Freddie Mercury
2- "We Are the Champions" - Freddie Mercury - Freddie Mercury
3- "Sheer Heart Attack" - Roger Taylor - Freddie Mercury/Roger Taylor
4- "All Dead, All Dead" - Brian May - Brian May
5- "Spread Your Wings" - John Deacon - Freddie Mercury
6- "Fight from the Inside" - Taylor - Roger Taylor
7- "Get Down, Make Love" - Freddie Mercury - Freddie Mercury
8- "Sleeping on the Sidewalk"- Brian May - Brian May
9- "Who Needs You" - Deacon - Freddie Mercury
10- "It's Late" - Brian May - Freddie Mercury
11- "My Melancholy Blues" - Freddie Mercury - Freddie Mercury

Si tenemos que destacar canciones del disco, evidentemente estas son los singles "We Will Rock You" y "We Are the Champions". Ambas canciones se han convertido en dos de las más representativas del grupo, y es imposible ver acabar un concierto de Queen sin haber escuchado antes estas canciones como despedida. Otro factor que ha contribuido ampliamente a su difusión es su uso en eventos deportivos: Los estadios de fútbol, béisbol o hockey se inundan con estas melodías. "We Will Rock You" tiene un ritmo contagioso y rápido, mientras que "We Are the Champions" representa la victoria después del esfuerzo y el agotamiento. Se combinan a la perfección.

También hay que tener en cuenta la canción "Spread Your Wings", una esperanzadora canción con un estilo muy típico de la banda: El piano suave, la voz en solitario de Freddie y, cómo no, la guitarra de Brian haciendo espectaculares solos. La letra trata sobre un chico que se dedica a limpiar en un hotel, mientras que espera poder liberarse algún día de ese lugar y poder conseguir sus sueños ("abre tus alas y vuela, vuela muy lejos")

Otra digna de mención es "Sheer Heart Attack", canción que en un primer momento estuvo destinada a estar en el tercer disco de la banda pero que acabó retrasándose. Es una canción muy potente, una de las más rápidas de Queen. Calificada normalmente como una canción de "punk-rock con toques heavy", esta canción también se convirtió en una imprescindible para los conciertos.

Recepción del público y la crítica

El gran éxito que tuvo este disco está condicionado, sobre todo, por los singles. "We Will Rock You" y "We Are The Champions" alcanzaron una enorme popularidad entre los fans y no tan fans del grupo. Acompañado también por los éxitos de los conciertos, el disco obtuvo una gran recepción por el público y, quizás en menor medida, por la crítica.

Por parte del público, podemos decir que es un disco de platino en Reino Unido y cuatro veces platino en EE.UU. Además de estas dos hazañas, también cosechó grandes éxitos en muchos otros países y llegó lo más alto de las listas de ventas.

La crítica, en general, le dio el visto bueno a este enérgico y original álbum, aunque los dos anteriores discos supusieron una mejor aceptación. Por ejemplo, Allmusic le dio 3'5 estrellas. Sin embargo, otros críticos argumentaron que Queen había hecho este disco con demasiada ligereza, dijeron que era un disco "blando" y poco complejo. Entre estos críticos tenemos a la (siempre negativa con Queen) revista Rolling Stone, que le otorgó 2'5 estrellas.

Portada

La imagen del disco es la adaptación de una portada que el artista de ciencia ficción Frank Kelly Freas diseñó para una revista(podéis ver la imagen original aquí). La sorprendente imagen del robot sacando a los integrantes del grupo de una sala de conciertos es un giro radical respecto a las sobrias portadas anteriores.

La idea de la imagen fue de Roger Taylor, que encontró esa portada en la revista Analog Science Fiction and Fact y le pareció una buena imagen para la portada de un disco. Kelly Freas permitió la adaptación gustosamente y, además, en la edición original también aparecía el robot cogiendo al público del concierto en la parte interior del disco.

Fuentes

News of the World - Wikipedia
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Queen (6ª parte) A Day At The Races

(NOTA: Si tienes Spotify, quizás preferirías escuchar el álbum aquí mientras lees el artículo)

Lanzado el 10 de diciembre de 1976, el quinto disco de la banda se presentaba con un difícil objetivo: Mantener la alta calidad que había dejado asombrado al mundo en "A Night at the Opera". Cierto es que no fue algo fácil, pero las 10 canciones que componen este álbum rebosan calidad y mantienen el estilo ya asentado del grupo.

Con unas ventas sorprendentes y un sencillo que sería recordado para siempre en la carrera del grupo (Somebody to Love), este disco es citado normalmente como uno de los mejores de Queen, un disco creativo, variado y, sobre todo, elaborado.

"A Day at the Races es una reconfirmación de Queen como el mejor conjunto musical en la tercera ola de grupos de rock inglés" - Winnipeg Free Press

Grabación e historia del disco

Tras el enorme éxito mundial que tuvo su anterior disco, los integrantes de Queen empezaron a trabajar con "A Day at the Races" llenos de motivación. Según ellos mismos, esa era una de las mayores épocas de inspiración y poder imaginativo por las que había pasado el grupo. Los cuatro integrantes escribían a un ritmo increíble, y en sólo 4 meses grabaron todo el disco.

El estilo de este álbum guarda ciertos parecidos con el anterior, explorando gran cantidad de estilos y géneros musicales, pero guardando siempre un estilo muy elaborado y complejo (desde temas rockeros y pesados hasta delicadas baladas, pasando por la inigualable "Somebody to Love" que combina el rock progresivo con el gospel, el álbum está repleto de diversidad musical). De hecho, hay quien dice que este álbum es una especie de continuación del anterior, como si "A Night at the Opera" y "A Day at the Races" fueran un mismo disco dividido en dos partes. El propio Brian May (guitarrista) y Roger Taylor (batería) dijeron que estos dos álbumes se podrían haber publicado a la vez sin ningún problema, eran como hermanos musicales.

Continuando con las similitudes entre éste y el anterior álbum, podemos decir que el nombre del disco era también un homenaje a una película de los hermanos Marx, A Day at the Races, una divertida comedia que recogió grandes críticas en su época.

El disco se grabó en buenas condiciones en los estudios "Sarm West, The Manor and Wessex Studios" y tuvo una particularidad respecto a los anteriores: La producción del disco sólo corrió a cargo del grupo, no tuvieron ningún co-productor musical (en los anteriores, su co-productor había sido el famosísimo Roy Thomas Baker).

Canciones

Como dijimos al principio del artículo, este es un disco muy variado musicalmente hablando. Por ejemplo, tenemos un tipo de rock "pesado" o hard rock ("Tie Your Mother Down", "White Man"), baladas más delicadas ("Teo Torriate (Let us Cling Together)", "You Take My Breath Away", "Good Old-Fashioned Lover Boy"), canciones más rápidas y cercanas al pop-rock ("Long Away", "You and I", "Drowse"), una maravillosa mezcla de vals y rock ("The Millionaire Waltz") e incluso el gospel presente en el single "Somebody to Love".

A continuación dejo la lista completa de canciones y su compositor. En todas ellas, la voz principal es la de Freddie Mercury, excepto en la canción "Drowse", en la que la voz solista pertenece a Roger Taylor.

1- Tie Your Mother Down - Compuesto por Brian May
2- You Take My Breath Away - Compuesto por Freddie Mercury
3- Long Away - Compuesto por Brian May
4- The Millionaire Waltz - Compuesto por Freddie Mercury
5- You and I - Compuesto por John Deacon
6- Somebody To Love - Compuesto por Freddie Mercury
7- White Man - Compuesto por Brian May
8- Good Old-Fashioned Lover Boy - Compuesto por Freddie Mercury
9- Drowse - Compuesto por Roger Taylor
10- Teo Torriatte (Let us Cling Together) - Compuesto por Brian May

Por supuesto, la canción más destacada del disco es "Somebody to Love". En ella, la voz de Freddie juega un importante papel, cantando complicadas escalas y largos solos. Pero no podemos olvidar el otro gran elemento de esta canción, el coro. Aunque parezca mentira, todos los coros que aparecen en la canción están cantados sólo por los integrantes del grupo. Superponiendo las voces y grabando diferentes pistas lograron el efecto de tener un gran coro de decenas de personas y pudieron darle a la canción el aire gospel que querían lograr. Una letra religiosa, un coro gospel, una guitarra eléctrica que deslumbra con un maravilloso solo en mitad de la canción, y la voz de Freddie se combinaban para lograr un estilo único. Como dato anecdótico, cabe destacar que Freddie siempre la consideró como una de sus canciones favoritas.

Otra canción que destaca desde mi punto de vista es "The Millionaire Waltz", una composición que juega con diferentes intensidades y sonidos (guarda ciertas similitudes con el gran éxito de Queen "Bohemian Rhapsody", al combinar partes de hard rock con baladas). La canción empieza con el animado piano, el bajo y la voz de Freddie en solitario. El coro aparece pronto acompañando la alegre melodía, pero más tarde ésta se torna más triste y oscura, reduciendo la intensidad del sonido. Sin embargo, cuando parece que el ritmo de la canción se está reduciendo cada vez más, se produce un crescendo del coro que dará paso a la desgarradora guitarra y a una voz agresiva. Aquí vemos una parte más rockera, que acabará dando paso de forma algo brusca al piano y a la melodía lenta de nuevo. Finalmente, terminará con la alegría melodía del coro, el piano y las voces iniciales.

Otra canción destacada es "Tie Your Mother Down", el segundo sencillo del álbum. Fue escrita por Brian May cuando estaba en Tenerife, estudiando astrofísica. Es una canción dura, con un riff de guitarra típico de Brian, y una voz más desgarradora por parte de Freddie. Se puede decir que esta es la aportación "rockera" del álbum, la canción que siempre acompaña a todo disco de Queen (normalmente, todos los discos contienen una de estas composiciones de Brian, con un tono más desvergonzado y rebelde).

Recepción del público y la crítica

Pese a no llegar a igualar a "A Night at the Opera" en sus ventas y críticas, este disco cosechó igualmente un gran éxito. De hecho, muchos lo describen como uno de los grandes discos de Queen que fue eclipsado injustamente por el anterior.

En las ventas se situó en el número 1 en países tan diversos como Reino Unido, Japón y los Países Bajos. En datos numéricos, basta con decir que sólo en EE.UU consiguió el disco de oro y, un tiempo después, el disco de platino.

Por parte de la crítica musical, las alabanzas fueron habituales. "Q" le concedió 4/5 estrellas, "Washington Post" lo calificó como favorable, "Allmusic" le otorgó 3'5/5 estrellas... La única revista que se mostró desagradecida con este disco fue "Rolling Stone", la cual dijo que "Freddie mostró simplemente una voz pop pasable" y otorgó unas 2/5 estrellas (aunque hay que recordar que esta revista nunca se llevó muy bien con Queen y a menudo se critica su falta de objetividad con el grupo por diversos motivos).

Portada del disco

Al igual que en el anterior disco, la portada está ocupada por el logo de la banda. En realidad, este sencillo dibujo tiene bastantes significados, todos ellos relacionados con el signo zodiacal de cada integrante del grupo. Ante todo, tenemos la gran Q y la corona ocupando la parte central, lo cual representa al grupo en general, el conjunto "Queen". Sobre la Q, tenemos un cangrejo, que representa al guitarrista Brian May (animal que representa al signo "cáncer"). A la izquierda tenemos un león, proveniente del signo "leo" del bajista John Deacon. Igualmente, a la derecha tenemos otro león proveniente del también "leo" Roger Taylor. Y, en la parte inferior, tenemos dos hadas, representantes del signo "virgo" al que pertenecía Freddie Mercury.

Sobre todo el conjunto se hallaba un majestuoso ave Fénix, un símbolo de pureza, inmortalidad, poder...

Fuentes

A Day at the Races - Wikipedia (English)
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Queen (5ª parte) A Night at the Opera

(NOTA: Si tienes Spotify, quizás preferirías escuchar el álbum aquí mientras lees el artículo)

Estamos ante la obra maestra de Queen, el disco con el que se consagraron definitivamente como un grupo de fama mundial, el disco que contiene la que, según muchísimos aficionados y expertos, es la mejor canción de la historia del rock. En homenaje a ella, este artículo se extenderá más de lo normal, y profundizaremos en el disco como no lo habíamos hecho con ningún otro, con la obligada parada en la gran canción, Bohemian Rhapsody.

El disco, lanzado en 1975, contiene 12 canciones, todas ellas obras maestras. Durante esta época, Queen estaba sufriendo una serie de cambios, estaba cambiando de discográfica y los integrantes del grupo se sentían más liberados con los nuevos mánagers, que les daban la oportunidad de hacer un disco a su gusto.

"Había muchas cosas que queríamos hacer en Queen II y Sheer Heart Attack, pero nos faltó espacio. En cambio, con A Night At the Opera sí lo tuvimos. Hicimos cosas con la guitarra y las voces como nunca antes. No hubo ningún límite (...) Escribíamos como locos. Estábamos tan ansiosos por crear... tan motivados. Teníamos tantas cosas que sacar a la luz... (...) Todos los sonidos, desde una tuba hasta el de un peine, cada molécula del álbum somos nosotros, hasta el más mínimo detalle" - Freddie Mercury

Grabación e historia del disco

Empecemos por el principio. Sheer Heart Attack, el anterior disco, había supuesto el primer gran éxito de Queen. La gente ya los reconocía y su trabajo se tenía en cuenta en el mundo de la música. Después de las grandes ventas que supuso el álbum, los integrantes del grupo deciden tomarse unas vacaciones (entre otras cosas, Brian May viene a Tenerife, a estudiar astronomía, y John Deacon se acaba casando) para volver con fuerzas a su mayor obra. Tras el pequeño descanso, el grupo toma una de las decisiones más importantes de su carrera, cambiar de mánager. Dejaron atrás su acuerdo con Trident y pasaron a firmar uno con la conocida discográfica EMI.

Este cambio supuso todo un logro para Queen. El nuevo mánager consiguió reunirles una fortuna para la realización del álbum y les ofreció los mejores estudios de grabación, sin importar el precio. La grabación del disco se produjo en diferentes estudios de Gales y Londres, lo cual permitió que cada componente del grupo trabajara por separado a la hora de grabar sus partes.

Pero, más que los beneficios materiales que les trajo este cambio, influye el cambio de ánimo que esto supuso. Se habían liberado de un grupo de mánagers agobiantes que habían conducido al grupo al desánimo y a la esterilidad creativa. Separados ya de esas presiones emocionales y financieras, el grupo volvía con fuerza y con una oportunidad única. El nuevo mánager les dejó hacer lo que quisieran con el dinero invertido. Pero claro, todo esto suponía también una "presión" sobre el grupo: Si fallaban después de tantos gastos, posiblemente el grupo no continuaría su camino. Sin embargo, en vez de sentirse presionados, los integrantes del grupo tuvieron el efecto contrario. La creatividad explotó y los mejores temas fueron puestos en un álbum que tenía la obligación de deslumbrar.

Una grabación de cuatro meses y el uso de seis estudios diferentes dieron como resultado un álbum complejo y muy elaborado. Manteniendo la ya típica etiqueta de "Sin sintetizadores", este álbum supuso una experimentación con la tecnología de estudio nunca antes realizada por el grupo. Llevaron la tecnología musical al límite y la combinaron con las grandes ideas que tenían, crearon un disco mágico.

Sobre el título del disco, proviene de una película de los hermanos Marx. Grabada en 1935, la película "A Night at the Opera" supuso la inspiración para el nombre del disco. Todo salió en una noche de dura grabación en la que los cuatro integrantes estaban viendo esa película para relajarse.

Para los conocedores de toda la obra de Queen, dejo esta última curiosidad que contó Freddie sobre la grabación:

"Recuerdo que, cuando estaba escribiendo "Bohemian Rhapsody", tenía también una canción llamada "We are the Champions", pero tuve la sensación de que entonces no encajaba. Así que la dejé de lado y no fue hasta prácticamente tres años después cuando la desempolvé [Álbum News of the World]"

Canciones

El disco se suele encuadrar en el género de Opera Rock. Y así es, se combinan los sonidos del rock con elementos de la ópera, como algunos tipos de voces, coros u otros sonidos. Pero, además de este tipo de canciones, el disco tiene muchísimos géneros si hablamos de forma interna. Tenemos canciones rockeras o hard rock, como "I'm Love with my Car" o "Sweet Lady"; canciones con un tono más pop como "You're my Best Friend"; baladas como "'39" o la famosa "Love of my Life"; canciones más alegres como "Seaside Rendezvous", "Lazing on a Sunday Afternoon" o "Good Company"; la instrumental "God Save the Queen"; y canciones de rock progresivo o, mejor dicho, ópera rock, como la propia "Bohemian Rhapsody" o "The Prophet's Song".

A continuación os dejo la lista completa de canciones y, como avisé al principio, en homenaje de este gran disco comentaré algunos aspectos sobre cada una de ellas (y extendiéndome más en la gran canción) :

"Death on Two Legs" - Compuesta por Freddie Mercury
"Lazing on a Sunday Afternoon" - Compuesta por Freddie Mercury
"I'm In Love With My Car" - Compuesta por Roger Taylor
"You're My Best Friend" - Compuesta por John Deacon
"'39" - Compuesta por Brian May
"Sweet Lady" - Compuesta por Brian May
"Seaside Rendezvous" - Compuesta por Freddie Mercury
"The Prophet's Song" - Compuesta por Brian May
"Love of My Life" - Compuesta por Freddie Mercury
"Good Company" - Compuesta por Brian May
"Bohemian Rhapsody" - Compuesta por Freddie Mercury
"God Save the Queen" - Compuesta por Brian May

El disco comienza fuerte con la tenebrosa Death on Two Legs, una canción llena de odio y rabia. De parte de Freddie a su ex-manager, era una dedicatoria "agradeciéndole" todas las cosas que le había hecho su antigua y odiada discográfica. Freddie estaba indignado con su antiguo mánager, decía que no tenía respeto con él y que le robaba dinero de los discos publicados. Dejó constancia de todo ello en la canción. Era un comienzo potente, impactante y explosivo. ¿Qué mejor para las primeras palabras del disco que "Me chupas la sangre como una sanguijuela"?



Dejando atrás a esta oscura canción llena de odio y "dedicatorias", la siguiente es una más alegre y despreocupada, Lazing on a Sunday Afternoon. El estilo de esta canción intenta imitar a la música de cabaret típica de los años 20, con unas voces y sonidos distorsionados. Para lograr el efecto de distorsión, recurrían a una curiosa técnica tradicional: Básicamente, los músicos cantaban en el estudio de forma normal; el sonido grabado se llevaba a una especie de lata que imitaba a un megáfono; y el sonido emitido por ese megáfono era captado por los micrófonos finales. De esa forma, la voz parecía venir de un megáfono de una forma muy sencilla y barata.

Continuamos con la tercera canción, I'm In Love with my Car. Esta es la canción de Roger Taylor, así que llega una parte rápida, frenética y con un tema bastante inusual: trataba sobre un hombre enamorado de su coche. La canción incluye sonidos del coche de Roger, un Alfa Romeo, y trata sobre todo lo relacionado con su coche y el amor que sentía por él (realmente, sus compañeros confirmaron más tarde que a Taylor le encantaban los coches y que una de sus grandes pasiones era conducir). Cantada por el propio Roger, en esta canción se alcanza un tono vocal bastante inusual y complicado de igualar.



La siguiente es el primer tema compuesto por John Deacon (aunque fue cantado por Freddie). Si recordáis la primera parte del artículo, os decía que John se había casado; pues bien, esta canción está dedicado a su mujer, Verónica. Siendo el segundo single del disco, era una canción de amor, algo empalagosa. Sí, era una canción pop, pero el estilo con que la canta Freddie, la dulzura de la melodía y los coros le dieron un estilo perfectamente coordinado con el grupo. John siempre fue algo reacio a componer, pero sus compañeros le animaron a componer este éxito que mostraba la parte más sensible del grupo.

"John empezó entonces a mostrar lo mucho que valía. Brian y yo habíamos escrito antes la mayoría de las canciones y él había permanecido en segundo plano. Trabajó muy duro en ello, y está muy bien. Amplió la versatilidad de Queen. Es agradable que cuatro personas puedan escribir y que todas sean fuertes, porque si John o cualquier otro escribiera un canción que considerásemos pobre, nunca la incluiríamos en el álbum. Por eso siempre hemos tenido que trabajar muy duro para mantener el nivel" - Freddie Mercury.

La quinta canción, "'39", es una gran canción de Brian alejado de su estilo habitual. Con toques folk, blues y rock, la canción narra una historia de lo más extraña. Normalmente, se le suele calificar dentro del género Skiffle, que combina el folk con otros géneros como el jazz o el blues. Interpretada por el propio Brian May, la temática de la canción gira entorno a una aventura con mucha ciencia (recordemos que Brian es astrofísico). La historia trata sobre un astronauta que realiza un largo viaje a través del espacio en busca de nuevos planetas. Su nave espacial se acerca a velocidades cercanas a la de la luz, y por el efecto de la dilatación del tiempo y la teoría de la relatividad, cuando vuelve a la Tierra él sólo ha envejecido un año, pero sus familiares han avanzado diez años. Os dejo el vídeo:



La siguiente canción de Brian era una canción de Heavy Metal, típica del estilo de Brian May. "Sweet Lady" es un rock rápido, distorsionado, fuerte. Llena de riffs de guitarras y voces pesadas y contundentes, la canción se convierte en una de las más metaleras del disco, aunque sin alejarse del estilo Queen. El coro acompaña en esta ocasión a la voz de Freddie, que interpreta el tema en lugar de Brian.

Pasamos ahora a una de las canciones más curiosas del disco, "Seaside Rendezvous". Compuesta por Mercury, es una de las canciones más alegres y divertidas del disco. Llena de sonidos caseros y bromas instrumentales, es una canción encantadora e ingeniosa. Incluida normalmente en el género Foxtrot, tiene muchos sonidos curiosos hechos con instrumentos tradicionales como el Kazoo. Es una de esas alegres y bromistas canciones que tanto le gustaban a Freddie.

La siguiente canción, esta vez de Brian pero interpretada por Freddie, contrastaba completamente con la anterior. Pasamos de una canción alegre a una canción misteriosa y oscura, "The Prophet's Song". Con sus 8 minutos y 20 segundos, es la canción no instrumental más larga de Queen, y además todo un exponente del rock progresivo. A mitad de la canción, la música desaparece para dejar únicamente a las voces, que son repetidas una y otra vez superponiéndose unas sobre otras. Escrita por Brian tras salir de una enfermedad, trae numerosos solos de guitarras y unas voces potentes y misteriosas. Como curiosidad, esta canción iba a ser el single principal en un inicio, pero luego, lógicamente, se cambió el puesto con Bohemian Rhapsody. Dejo un vídeo del tema:



La canción "Love of my Life", compuesta y cantada por Freddie, se convirtió rápidamente en un clásico de la banda. Tocada en casi todos sus conciertos, es la balada más famosa del grupo. El piano de Freddie, se combina con un arpa magistralmente tocada por Brian para dar una lugar a una romántica canción. Está dedicada a Mary Austin, su mejor amiga y su pareja en ese momento. La canción en los conciertos era tocada por guitarra en los conciertos, sustituyendo al piano de Freddie. Es una de las canciones que más identificaron a Mercury, un sello de identidad que no lo abandonaría en toda su carrera.

Luego llega "Good Company", una canción que viene de la infancia de Brian. El padre de May tocaba el ukelele-banjo cuando Brian era joven, y éste aprendió a tocar la guitarra con él. De esas clases le vino luego la inspiración para tocar una canción basada en ese ukelele-banjo, una canción que trata sobre mantener las buenas amistades y no dejarlas escapar ("Good Company" - "Buena compañía"). Finalmente, el protagonista de la canción se acaba casando y deja atrás a sus amigos de toda la vida.

Y por fin, aquí llega la canción. Bohemian Rhapsody. Antes de nada, lo mejor es ver el maravilloso videoclip (más tarde también hablaré de cómo se hizo ese vídeo):



"Bohemian Rhapsody fue demencial. Nunca parábamos de reír. Fue básicamente una broma, pero una broma de éxito" - Roy Thomas Baker (productor musical)

Creada por Freddie Mercury, es la canción más famosa del grupo, un himno del rock. Es una canción muy compleja, llena de arreglos y técnicas musicales. La canción está divida en seis secciones completamente diferentes: Primero una pequeña introducción del coro, luego una dulce balada con el piano, a continuación un fuerte solo de guitarra que deja paso a la parte de ópera. En cuanto termina la parte vocal, viene un tema de rock duro que da paso a una coda final que recuerda a la primera introducción.

La mayor parte de la canción la compuso Freddie en su casa. Era su mayor obra y obsesión. La canción estaba llena de elementos complejos, arreglos vocales e instrumentales, una guitarra desgarradora y un coro estupendo que parece toda una ópera. Sencillamente, fue el single más caro del mundo y uno de los más complejos. Con esta canción se dejó la simple popularidad para pasar al super estrellato.

La letra de la canción es todo un misterio. Freddie se negó a decirlo, y sólo lo saben algunos integrantes del grupo y amigos, pero nunca se ha revelado. Pese a que se han dicho muchas teorías al respecto y algunos expertos han sacado sus propias conclusiones, la verdad es que no se puede asegurar nada sobre la enigmática letra:

"Es una de esas canciones que tienen un aura de fantasía alrededor. Pienso que la gente debería sólo escucharla, pensar en ella y luego formar su propia opinión acerca de lo que les dice... 'Bohemian Rhapsody' no salió de la nada. Hice algunas investigaciones, porque está pensada para ser un modelo de ópera, ¿por qué no?" - Freddie Mercury

Como dijo Roger Taylor: "En esa época, un single no debía durar más de tres minutos, y tenía que ser rápido y enérgico, tenía que atrapar". Pero llegó Queen, y puso un single de 6 minutos, complejo y "extraño" para el público. Y el single fue un éxito. Y la canción triunfó y se alzó como una de las mejores canciones de toda la historia de la música rock.

La historia de publicación del single fue bastante curiosa. Queen y el productor Baker le dieron a un DJ de radio llamdado Kenny Everett una copia de la canción, diciéndole que sólo la escuchara él, pero que no la publicara nunca en la radio. Mientras guiñaba un ojo, Everett les dijo que no lo haría. Al cabo de dos días ya la había puesto 14 veces en al radio. Después de que miles de seguidores acudieran a comprar el sencillo, la discográfica le hizo caso al grupo y accedió a publicar una canción de 6 minutos como single.

Y el videoclip de la canción no es menos importante. Retomando la estética del álbum Queen II, el grupo aparecía lleno de oscuridad en las partes de ópera y blancos en las partes solistas de Freddie. A menudo se le considera como el primer videoclip de la historia, ya que gracias a él se empezó a popularizar esa forma de publicitar canciones y porque, a diferencia de otros vídeos musicales, el videoclip creado en Bohemian Rhapsody permitía al grupo expresarse libremente y no basarse sólo en mostrar al grupo tocando en un escenario.

El vídeo se grabó en unas cuatro horas, y todos los efectos fueron hechos de forma casera, pero con grandes resultados. Por ejemplo, el efecto de Freddie moviéndose tras una estela azul se consiguió colocando la cámara frente a un monitor. Y la imagen del grupo multiplicada como si fuera una colmena se logró poniendo un cristal de dicha forma delante de la cámara.

Dejando atrás a la gran canción, el disco acaba con la instrumental "God Save the Queen", una interpretación rockera del himno de Inglaterra tocada con la guitarra de Brian. Con ese toque patriótico acaba el mejor disco del grupo.

Recepción del público y la crítica

Como ya supondréis, fue algo impresionante por ambos bandos. La crítica lo coronó como uno de los mejores discos y las ventas fueron desbordantes.

Por parte del público, ha sido considerado como un triple platino (es decir, ha llegado a los tres millones de copias vendidas). Llegó de forma directa al número uno de las ventas, y el disco no para de venderse.

Por parte de la crítica, creo que basta con dejar algunos resultados: "AMG: 5/5 estrellas", "Rolling Stone: 5/5 estrellas", "Allmusic: 5/5 estrellas", "Mojo: 5/5 estrellas", "Q: 5/5 estrellas", "Incluida en la lista 1001 discos que debes escuchar antes de morir"... Creo que no necesita interpretación, se ve claramente de qué va el tema.

Portada del disco

La portada, también de maravillosa y de gran estilo, está ocupada por la gran Q tan representativa del grupo. Alrededor de ella, se acercan los animales que representan el signo del zodiaco de cada integrante del grupo. Representa a todos los integrantes arropando al grupo Queen como tal, todos juntos y representados sobre el nombre del disco, "A Night at the Opera".

Fuentes

A Night at the Opera - Wikipedia
A Night at the Opera - Wikipedia (English)
Bohemian Rhapsody - Wikipedia
A Night at the Opera - Documental
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