Queen (12ª parte) A Kind of Magic

(NOTA: Si tienes Spotify, quizás preferirías escuchar el álbum aquí mientras lees el artículo)

Queen ya estaba metido de lleno en la década de los ochenta. Tras el lanzamiento de su disco The Works, que agradó bastante a los fans originales del grupo, se puede decir que ya había conseguido adaptarse a la perfección al sonido de los sintetizadores. Seis años después de introducir por primera vez este instrumento, allá por los comienzos de la década (con The Game), la buena fusión que había salido como resultado de la mezcla entre el sonido original y la inclusión de sintetizadores era algo ya más que evidente para todos los fans y críticos musicales.

A Kind of Magic es la confirmación de esta mejora. Y es que muchas de las canciones que componen el disco han pasado a formar parte de las imprescindibles en cualquier recopilación o concierto del grupo.

Este disco es, en definitiva, un éxito más en la larga carrera de Queen que, por desgracia, se acercaba cada vez más a su trágico fin (su próximo disco, The Miracle, se convertiría ya en el antepenúltimo de la banda y el penúltimo en el que participó Freddie Mercury).

Grabación e historia del disco

A Kind of Magic surgió en realidad como una banda sonora para la película Highlander (Los inmortales). Todo comenzó con la llamada de Russell Mulcahy, director de la película, que consideraba a Queen como el grupo perfecto para su proyecto. "La película necesitaba su energía", llegó a comentar años después. Pero los directores de la película no eran los únicos encantados con la idea: También el grupo amaba la idea de ser los responsables de la banda sonora.

Antes de que comenzaran a grabar nada, Mulcahy les enseñó en primicia veinte minutos de la película. El grupo quedó tan impresionado que ese mismo día empezaron a escribir sus primeras ideas basadas en lo que habían visto. Sabiendo esto, es fácil adivinar de dónde provienen muchos de los títulos de las canciones. Así, Brian May compuso Who Wants To Live Forever pensando en una escena en la que el inmortal protagonista ve morir a su amada y Roger Taylor compuso It's A Kind Of Magic tomando como título la palabra que usa para describir esa inmortalidad.

A pesar de todo esto, es necesario aclarar que las canciones que aparecen en el disco A Kind of Magic no son exactamente las mismas que aparecieron en la película. El grupo rehízo buena parte del material y cambió ciertos aspectos para adaptarlo mejor al formato (no es lo mismo una música destinada a ser una banda sonora que la que aparece en un disco normal). La música intacta que apareció en Highlander nunca se presentó en forma de banda sonora.

Centrándonos un poco más en el estilo del disco, podemos observar fácilmente que, a pesar del continuo contacto con los sintetizadores, no se pierde nunca la esencia del grupo. De nuevo, habían vuelto a conseguir la fórmula mágica para poder innovar sin perder la fidelidad de sus más viejos fans.

Como parte de la promoción del disco, Queen realizó la famosa gira Magic Tour, que se acabaría convirtiendo en la última del grupo. Mención especial merece el concierto de Wembley, que personalmente considero el mejor de la banda (además de ser uno de los últimos en el que aparecerá Freddie Mercury, debido a los problemas que desarrollaría más tarde por culpa del sida). Toda esta gira fue un espectáculo audiovisual, poniendo especial atención al juego de luces, colores y pantallas sobre el escenario (característica típica del arena rock, género en el que a menudo se encuadra a Queen). Como era de esperar, el buen trabajo obtuvo su recompensa y logró reunir una enorme afluencia de público.

Canciones

El estilo de las canciones es bastante variado. Predomina el rock clásico de Queen mezclado con sintetizadores que ya hemos comentado anteriormente (A Kind of Magic, Friends Will Be Friends, Don't Lose Your Head), pero también tiene bastantes canciones de hard rock (One Vision, Gimme the Prize, Princes of the Universe), baladas más dulces (One Year of Love, Pain Is So Close to Pleasure) e incluso una canción cercana al rock sinfónico (Who Wants to Live Forever).

Como viene siendo habitual, en la composición de las canciones participaron casi a partes iguales todos los integrantes (aunque destacan May y Mercury). A continuación dejo la lista completa de canción y sus compositores:

01. One Vision - Compuesta por todos los integrantes
02. A Kind of Magic - Compuesta por Taylor
03. One Year of Love - Compuesta por Deacon
04. Pain Is So Close to Pleasure - Compuesta por Mercury/Deacon
05. Friends Will Be Friends - Compuesta por Mercury/Deacon
06. Who Wants to Live Forever - Compuesta por May
07. Gimme the Prize (Kurgan's Theme) - Compuesta por May
08. Don't Lose Your Head - Compuesta por Taylor
09. Princes of the Universe - Compuesta por Mercury

Las canciones más famosas de este disco (o, al menos, las que yo considero más representativas del disco) son One Vision, A Kind of Magic y Who Wants to Live Forever. Las comento más detalladamente a continuación:

One Vision, una canción hard rock, se convirtió automáticamente en la ideal para iniciar los conciertos. Su introducción, basada en la voz distorsionada de Brian May, era el modo ideal de crear algo de tensión inicial que iría creciendo hasta desembocar en una canción rápida y frenética. No apareció en la película Highlanders, aunque posteriormente se usó en Iron Eagle. Al final de la canción podemos encontrar otra anécdota: Una frase que debería incluir las palabras "One Vision" se intercambiaron por "Fried Chicken", divertido juego de palabras que habían decidido introducir porque uno de los días en el que la estaban grabando cenaron pollo frito.

A Kind of Magic, canción homónima del disco y al mismo tiempo la más popular, es un perfecto ejemplo del estilo de música (sintetizadores, pero con moderación) que más solía tocar el grupo en ese momento. Aquí se puede observar un dato que comentamos anteriormente: La canción que aparece en la película es diferente a la del disco. Mientras que la versión aparecida en Highlanders tiene un sonido más cercano al rock, la que aparece en el disco tiende más hacia el pop. Su éxito inmediato la convirtió enseguida en una de las canciones más recordadas de la banda.

Y, por último, tenemos una canción fácilmente distinguible del resto: Who Wants to Live Forever. Una delicada composición de Brian May con preciosos sonidos que recuerdan a arreglos orquestales. Esta canción tiene un toque diferente y nada habitual en un grupo de rock. En su videoclip se utilizaron cientos de velas, La National Philharmonic Orchestra y un coro de cuarenta niños para crear la atmósfera adecuada. Es, sin ninguna duda, uno de los mejores ejemplos que demuestran la gran movilidad de Queen para tocar diversos géneros musicales.

Recepción del público y la crítica

El éxito del disco fue, en general, arrollador. Si bien es cierto que las críticas no destacaron (es decir, no era uno de los mejores discos del grupo, pero se mantenía en la excelente línea general), las ventas fueron increíbles.

La opinión profesional tuvo críticas un tanto dispersas. Mientras que la revista Rolling Stone (cuya irracional e injusta manía con Queen es sobradamente conocida por los lectores de este blog) lo criticó duramente, otras publicaciones como The Times lo describió como "uno de los más espectaculares éxitos lanzados este año". Dejando a un lado las críticas de ambos extremos, hay que decir que la tónica general fue la de alabar el disco como un buen trabajo, pero sin destacarlo de forma especial sobre el resto de la discografía.

Por parte del público, las ventas fueron magníficas (apoyadas bastante por el ya mencionado concierto Magic Tour). Alcanzó el disco de platino en países como Estados Unidos, Reino Unido y varias zonas de Europa, así como los primeros puestos en Francia, Italia, Irlanda...


Portada

La colorida portada del disco proviene del videoclip de la canción A Kind of Magic. Éste fue llevado a cabo por el propio director de Highlanders, y fue protagonizado por Freddie en el papel de mago y el resto del grupo en el papel de unos vagabundos convertidos en músicos. Lo que más impresionó del vídeo fueron las avanzadas técnicas de animación que presentaba, poco habitual en los vídeos musicales de la época.

En definitiva, el vídeo debió de gustarle bastante al grupo, que decidió usar las animaciones para decorar la portada del disco. Un detalle para los más fans: Éste fue el primer álbum cuyo nombre era el de una de las canciones que lo integraban, pero desde entonces todos los siguientes álbumes acogieron esta costumbre (The Miracle, Innuendo y Made in Heaven).

Fuentes

A Kind of Magic - Wikipedia (English)
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The Beatles (10ª parte) Magical Mystery Tour

Los Beatles ya habían entrado completamente en el sonido psicodélico de los años 60. Sus últimos discos discos, Revolver y, sobre todo, Sgt Pepper Lonely Hearts Club Band, habían abandonado el estilo de sus primeros años, cambiándolo por uno completamente diferente, menos comercial y más enfocado a la experimentación y la búsqueda de nuevos sonidos. Este período musical acabaría dando lugar a su máximo exponente con Magical Mystery Tour, disco que es, probablemente, el que tiene una mayor presencia de rock psicodélico, y muchas de sus canciones son las más extrañas del grupo, como la delirante "I am the Walrus", que comentaremos posteriormente (evidentemente, cuando digo que Magical Mystery Tour es el mayor exponente de esta etapa psicodélica, me refiero a que es el que mejor plasma su sonido, pero no por ello significa que sea mejor que los dos anteriores discos, los cuales son considerados muy a menudo como superiores en calidad). Y es que, además, a partir de este disco los Beatles se alejarían del sonido psicodélico en busca de un estilo más rockero y maduro (con, por ejemplo, el White Album).

Muchas de las canciones de este disco pueden recordar bastante al Sgt. Pepper, algo lógico si tenemos en cuenta que fueron grabadas prácticamente juntas (los Beatles estaban pasando por un período de gran creatividad y no dejaron de componer aún cuando ya tenían el disco completo). De hecho, algunas canciones como Strawberry Fields Forever fueron grabadas inicialmente para el Sgt. Pepper, pero finalmente se acabaron incluyendo en el Magical Mystery Tour.

Grabación e historia del disco

Como acabamos de comentar, los Beatles pasaban por uno de sus años con más creatividad musical. Estaban continuamente creando nuevas ideas, no paraban nunca de componer. Y, tras poner a la venta su Sgt. Pepper, decidieron lanzarse a un proyecto un poco diferente: La creación de una película. En efecto, Magical Mystery Tour fue diseñado como banda sonora de la película del mismo nombre. Recordemos que los Beatles acaban de decidir que no iban a dar nunca más un concierto en directo, así que querían reemplazar esa ausencia con algo diferente y más innovador, así que... ¿qué mejor que una película para televisión?

Sin embargo, este plan no acabó nada bien, y las críticas hacia la película fueron muy negativas. Según parece, una de las razones de esta mala acogida es que estaba diseñada para ser emitida en color, pero fue televisada en blanco y negro, lo cual restaba muchos puntos a la calidad de la película. Sea como sea, fue uno de los pocos fracasos verdaderos en la carrera del grupo, algo muy poco común.

Pero, por suerte, la música no decepcionó, y se mantuvo en la excelente línea de calidad del grupo. Por ello, poco tiempo después apareció el álbum homónimo con la banda sonora de la película (tiene algunas modificaciones y se cambian algunas canciones, pero en líneas generales el álbum es prácticamente la banda sonora). Algunas de las canciones que se grabaron para la película son de las mejores del grupo, como las autobiográficas Strawberry Fields Forever (por parte de John Lennon) o Penny Lane (por parte de Paul McCartney).

Ya hemos comentado antes que este disco surgió en la misma época que el Sgt. Pepper, por lo que se pueden notar evidentes similitudes y sonidos parecidos. Seguramente, si ambos discos se hubieran juntado en uno solo, apenas se notaría la diferencia. Además de que, por supuesto, el éxito del Sgt. Pepper animó al grupo a hacer algo similar con el Magical Mystery Tour.

Las técnicas de estudio y la experimentación instrumental tuvieron bastante importancia, llegando a dotar de cierta complejidad a la música del álbum e, incluso, llegando a dedicar sus esfuerzos en crear una canción instrumental (algo muy extraño en los Beatles, que siempre suelen incluir una pista vocal, por muy pequeña que sea).

El disco incluye muchas características típicas de esta época: Sonidos orientales, voces extrañas o somnolientas, intento de recrear experiencias alucinógenas, muchos ruidos o elementos poco habituales en la música popular... Todo ello combinado en un intento de crear nuevos sonidos.

Canciones

En el abanico de géneros de este disco, sobresale ante todos el rock psicodélico, la base musical de todo el álbum (con canciones como "Magical Mystery Tour", "Flying", "Blue Jay Way", "I Am the Walrus", "Strawberry Fields Forever"), también encontramos folk rock ("The Fool on the Hill"), un poco de pop-rock ("Your Mother Should Know", "Hello, Goodbye", "Penny Lane", "Baby You're a Rich Man") e incluso una canción nada habitual, "All You Need is Love", una mezcla de folk rock y rock sinfónico.

Como va siendo habitual, la gran parte de las canciones están compuestas por Lennon-McCartney, pero también encontramos una aportación de Harrison y su típico sonido hindú (le encantaba este tipo de música desde que hizo una visita a la India junto al resto del grupo) y una canción instrumental que compusieron los cuatro Beatles en colaboración, Flying. Os dejo la lista completa de canciones y su compositor:

1 - «Magical Mystery Tour» - Compuesta por Lennon - McCartney
2 - «The Fool on the Hill» - Compuesta por Lennon - McCartney
3 - «Flying» - Compuesta de forma colaborativa por todos los integrantes
4 - «Blue Jay Way» - Compuesta por George Harrison
5 - «Your Mother Should Know» - Compuesta por Lennon - McCartney
6 - «I Am the Walrus» - Compuesta por Lennon - McCartney
7 - «Hello, Goodbye» - Compuesta por Lennon - McCartney
8 - «Strawberry Fields Forever» - Compuesta por Lennon - McCartney
9 - «Penny Lane» - Compuesta por Lennon - McCartney
10 - «Baby You're a Rich Man» - Compuesta por Lennon - McCartney
11 - «All You Need is Love» - Compuesta por Lennon - McCartney

Las canciones más destacadas de este disco son, a mi parecer, I Am the Walrus, Strawberry Fields Foerever y Penny Lane, las cuales procedo a comentar una a una:

I Am the Walrus es una de las canciones más extrañas y psicodélicas del grupo. Es, además, una de las canciones con más historia, llena de curiosidades: Lennon la creó principalmente porque estaba harto de que todo el mundo analizara la letra de sus canciones y de que le buscaran significados que a veces ni siquiera existían. Por ello, decidió crear I Am the Walrus, una canción llena de incoherencias, palabras inventadas, frases alteradas y desconectadas entre sí... Era un verdadero laberinto, un reto para los expertos en comentar sus canciones. Os recomiendo que le echéis un vistazo a algunos análisis de la letra. El mismo Lennon llegó a decir posteriormente que era una de sus canciones preferidas del Magical Mystery Tour, resumiendo en una sola frase lo atractivo de esta canción:

"I Am the Walrus es también una de mis canciones favoritas, no sólo porque la escribí yo, claro, sino porque es una de esas canciones con tantos detalles que incluso dentro de cien años podrían seguir interesándote"

Strawberry Fields Foerever es una canción menos extraña que la anterior, pero igualmente también se habla de ella como una de las que mejor define el estilo del álbum. Con una letra inspirada en la infancia de Lennon y un sonido inspirado por las drogas, se convirtió en una de las canciones más alabadas por la crítica y consideradas como una de las mejores composiciones de los Beatles, llena de detalles, significados autobiográficos escondidos bajo la letra, mensajes de Lennon sobre sí mismo, ruidos extraños, instrumentos poco habituales como trompetas y violonchelos... Toda una genialidad de los Beatles.

Y, finalmente, tenemos Penny Lane, una de las canciones con menos psicodelia y más cercanas al pop-rock del álbum. Al igual que ocurre con Lennon y Strawberry Fields Forever, aquí McCartney describe algunos de sus recuerdos de la infancia sobre la calle Penny Lane, en la que solía jugar con Lennon. Con un fuerte componente nostálgico, la canción combinaba un sonido más suave con un gran trabajo de estudio tras de sí: Por ejemplo, se usaron hasta seis pianos grabados a distintas velocidades e incluso conectándolos a un amplificador para conseguir distintos sonidos. Fue otra de las canciones más importantes del disco, y quizás una de las mejores de McCartney (aunque se diga que la compusieron la pareja Lennon-McCartney, fue el segundo el que más trabajó en ella).

Recepción del público y la crítica

El disco, a diferencia de la película, tuvo una acogida realmente buena entre público y crítica, que sí apreciaron el aluvión de creatividad que traía el disco. Personalmente, lo considero uno de los mejores discos del grupo, a pesar de que no se suela incluir en las clásicas recopilaciones sobre "los mejores discos de los Beatles". Aunque, todo hay que decirlo, nunca llegó a tener el impacto de otros discos.

El público lo recibió con unas ventas bastante buenas, llegando al número uno de las listas en Estados Unidos y al número dos en las listas inglesas, además de lograr posiciones similares alrededor del mundo. En definitiva, fue un éxito, aunque teniendo en cuenta que se habla de los Beatles, es habitual (y no estoy exagerando, realmente es extraño ver que alguno de sus discos no haya llegado a los primeros puestos).

La crítica, por su parte, también le dio las máximas puntuaciones. Portales y revistas como Allmusic, Blender o Pitchfork Media le dieron 5 estrellas sobre 5 (un 10 sobre 10, en el caso de la última), mientras que la revista Rolling Stone, algo más exigente, le dio 3'5 estrellas sobre 5. En resumen: Para la crítica, la calidad del disco fue todo lo contrario a la calidad de la película.

Portada

La colorida portada de Magical Mystery Tour es una fotografía perteneciente al videoclip de una de las canciones del álbum, "I am the Walrus". En este extraño (pero bien realizado) vídeo, se puede observar a Lennon vestido de morsa ("Walrus") junto a sus compañeros, también disfrazados de otros animales.

Esta portada no tiene muchos secretos o detalles escondidos (como sí lo tenían otros discos, como el Sgt. Pepper o, como veremos próximamente, Abbey Road). Sin embargo, a pesar de la aparente simpleza, representa bastante bien el sonido del álbum, esos colores tan extrovertidos y el surrealista aspecto de los integrantes del grupo ya empiezan a advertir el carácter tan psicodélico del disco.

Fuentes

Magical Mystery Tour - Wikipedia
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Queen (11ª parte) The Works

(NOTA: Si tienes Spotify, quizás preferirías escuchar el álbum aquí mientras lees el artículo)

The Works fue uno de los discos que mejor acogida tuvo entre los fans más acérrimos de Queen. Tras la decepción que supuso para muchos el cambio de estilo musical del anterior disco, Hot Space (el cual incluía muchos sintetizadores y un estilo más cercano al pop-dance), The Works se convirtió en un regreso al sonido rockero original de Queen. Pero este retorno a las raíces del grupo se hizo de una forma muy especial, como sólo los integrantes de Queen sabían hacerlo: Combinaron a la perfección los ya habituales sintetizadores con un estilo que recordaba perfectamente a su primera época.

Y lo cierto es que, desde que empezaran a usar sintetizadores con la publicación de The Game, este disco fue probablemente uno de los que mejor aplicó los sintetizadores a su estilo original. Como reconocieron algunos de los integrantes de Queen, ellos querían seguir explorando las posibilidades del sintetizador y experimentar con él, pero tampoco querían olvidarse de sus orígenes.

Grabación e historia del disco

Tras la publicación del disco "Hot Space" en 1982, Queen decidió tomarse un pequeño descanso. Los integrantes del grupo querían probar a desarrollar sus carreras en solitario. Por ejemplo, Freddie Mercury aprovechó esta separación momentánea del grupo para empezar a grabar el que sería su primer disco solista, Mr. Bad Guy. Por su parte, Brian May se dedicó también a crear, junto a Eddie Van Halen, su primer disco solista, Star Fleet Project. Respecto a Roger Taylor, él ya había lanzado su primer disco en 1981, pero también aprovechó este tiempo para preparar el segundo, Strange Frontier.

Pero esto no significa en absoluto que el grupo se hubiera cansado de componer unido. Todo lo contrario. Este fue el primer disco que Queen grabó en Estados Unidos (en Los Ángeles, más concretamente), y tenían en mente dos proyectos nuevos: Por un lado, grabar el disco de The Works, y por otro grabar la banda sonora de una película, The Hotel New Hampshire. Queen venía cargado de nuevas ideas y un montón de canciones en mente.

Sin embargo, a pesar de este aluvión de ideas, al grupo no le gustaba demasiado cómo estaba quedando la banda sonora que estaban desarrollando paralelamente, además de que les robaba mucho tiempo. Por ello, acabaron decidiendo que iban a concentrarse únicamente en The Works y que iban a abandonar la película en la que estaban trabajando.

Pero, por suerte, el poco tiempo que estuvieron trabajando en la banda sonora no fue desaprovechado. Una de las canciones que habían grabado les gustó bastante y decidieron convertirla en una pista de The Works. Esta canción era Keep Passing the Open Windows, compuesta por Freddie Mercury.

A pesar de que este disco sólo tuvo 9 canciones (unas cuantas menos de lo que es normal en Queen) durante esta época el grupo creó muchas otras canciones que, por unas causas u otras, no fueron incluidas en el álbum. Algunas de estas canciones sólo eran bocetos que nunca acabaron por desarrollarse, pero muchas otras se acabaron convirtiendo en canciones para posteriores discos (por ejemplo, el último disco del grupo, Made in Heaven, se nutrió de algunas de estas composiciones).

Tras el lanzamiento del disco, Queen inició una nueva gira, The Works Tour, que tuvo un enorme éxito. En estos conciertos, el grupo empezó a usar una decoración espectacular, enormes focos de luz, telones, pantallas... Fue un despliegue visual digno de la calidad del grupo. De hecho, muchas veces se encuadra a Queen dentro del género "arena rock", un estilo musical caracterizado principalmente por los enormes conciertos. Estadios deportivos se llenaban al completo (véase por ejemplo el concierto de Queen en Wembley, que se realizaría unos años después) y el grupo creaba un ambiente de luces, láseres, humos... Todo estaba cuidado hasta el máximo detalle.

Canciones

Como ya hemos comentado, el estilo predominante en las canciones de este disco es el del rock clásico de Queen ("Tear it up", "Hammer to Fall", "Keep Passing the Open Window"), un rock muy influenciado por los sintetizadores ("Radio Gaga", "Machines (Or Back to Humans)"), baladas ("It's a Hard Life", "Is This the World We Created?") e incluso una pieza de rockabilly ("Man on the Prowl")

En la grabación del disco participaron prácticamente todos los integrantes del grupo (destaca la composición de John Deacon, quien solía componer pocas veces, pero cuando lo hacía, lo hacía realmente bien). Como siempre, os dejo la lista completa de canciones y su compositor/es principal/es:

1- Radio Ga Ga - Roger Taylor
2- Tear It Up - Brian May
3- It's a Hard Life - Freddie Mercury
4- Man on the Prowl - Freddie Mercury
5- Machines (Or 'Back to Humans') - Brian May y Roger Taylor
6- I Want to Break Free - John Deacon
7- Keep Passing the Open Windows - Freddie Mercury
8- Hammer to Fall - Brian May
9- Is This the World We Created...? - Freddie Mercury y Brian May

Las canciones más famosas del disco son, sin lugar a dudas, Radio Gaga y I Want to Break Free. Desde su aparición en este disco, se convirtieron en un indispensable de los conciertos, en unos verdaderos clásicos del grupo.

Radio Gaga es una de las canciones que mejor representa el estilo de este álbum: Tiene un estilo bastante rockero, pero se está basada enteramente en sintetizadores. En un principio, esta canción se iba a llamar "Radio Ca-Ca", ya que el batería, Roger Taylor, había escuchado cómo su hijo había dicho esa frase y le resultó graciosa. Sin embargo, la acabó cambiando a "Gaga" porque, además de que tenía más musicalidad, en muchos idiomas (como el español) caca viene a significar "excrementos"...

Esta siempre fue una de las canciones preferidas de los conciertos de Queen. Freddie Mercury lograba que todo el público se sincronizara para aplaudir al mismo tiempo que la canción.

Otro de los aspectos más destacados de esta canción es su famoso videoclip. El gobierno alemán concedió los derechos para utilizar la película Metropolis, de 1926. Además, en el vídeo aparecen cientos de fans voluntarios que se presentaron para crear el videoclip junto al grupo.

Vayamos ahora con I Want to Break Free. Con una letra claramente a favor de la libertad, se adoptó en muchos lugares en un himno contra la opresión. La canción, al igual que la anterior, usa bastantes sintetizadores, pero los acopla perfectamente al estilo clásico del grupo, creando una canción indispensable en cualquiera de sus conciertos.

Hay una curiosa anécdota con el polémico videoclip de esta canción. En él, el grupo parodia una telenovela llamada "Coronation Street", vestidos de mujer. Sin embargo, en Estados Unidos lo malinterpretaron (en aquella época se estaba llevando un verdadero acoso periodístico con Freddie y su homosexualidad), por lo que censuraron el vídeo. En respuesta, Queen decidió no dar conciertos en EEUU ese año, alegando que no apoyaban la censura a un vídeo que llevaba la palabra "libre" en su nombre.

"En el pasado habíamos rodado algunos grandes vídeos, muy serios, y sólo queríamos que la gente supiese que no nos tomábamos tan en serio, que podíamos reírnos de nosotros mismos. Creo que lo demostramos" - Roger Taylor

Recepción del público y la crítica

"Otra joya en la corona"

Así calificaba la revista Record Mirror a este disco. Lo cierto es que resume bastante bien la opinión general, tanto del público como de la crítica, sobre este disco.

El disco llegó a convertirse en disco de oro y platino en lugares como Reino Unido, Estados Unidos, España, Holanda, Portugal... En estos dos últimos países también llegó al número uno de las listas de ventas, y en zonas como Reino Unido, Austria o Noruega llegó a la número 2.

Respecto a la crítica profesional, como hemos comentado ya, tuvo una buena acogida (tampoco fue tomado como el mejor disco del grupo, pero fueron críticas bastante favorables) y la opinión general fue la de que "Queen había vuelto a sus orígenes". Por poner algunos ejemplos, la revista Prog Archives le dio 4 estrellas sobre 5, la Rolling Stone lo calificó como "Favorable", y el portal Allmusic le dio 3 sobre 5.

Portada

La creación de la carátula fue dirigida por el propio grupo, que contrató al fotógrafo George Hurrell (un famoso fotógrafo que tuvo una gran relevancia en el mundo del cine) para tomar la fotografía. Mostraba el ya asentado estilo estético de los ochenta.

Respecto al título del álbum, viene de un comentario lanzado por el batería del grupo, Roger Taylor: "Let's give them the works!". Queen se había entregado completamente a la creación del disco, habían empleado un gran trabajo en la composición de las canciones. De ahí viene el nombre: Era todo un verdadero "trabajo" por parte del grupo.

Fuentes

The Works - Wikipedia
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The Beatles (9ª parte) Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

El día 26 de mayo de de 1967, y tras un período de grabación de casi 130 días, los Beatles publicaban el que se convertiría en su disco más aclamado: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Nada más salir a la venta, supuso un éxito absoluto en todos los sentidos, tanto en ventas (llegó a ser disco de diamante) como en las valoraciones de la crítica (por ejemplo, está en la primera posición dentro de los 500 mejores álbumes de la revista Rolling Stones).

Su innovación musical, su complejidad y su enorme repercusión en otros grupos hacen de él uno de los discos más influyentes de toda su historia (con canciones tan famosas como "A Day in the Life" o "Lucy in the Sky with Diamonds"). Como ya comenté cuando estuve hablando del disco Revolver, el sonido de los Beatles ya era enteramente psicodélico. La música pop y las letras fáciles habían pasado ya a la historia, ahora cada vez más el grupo incluía letras más profundas e ideológicas, así como una música más elaborada y trabajada en el estudio.

La publicación de este disco supuso una entrada espectacular en el que se convertiría en la nueva música de los Beatles (una "segunda etapa", como la llamo yo) en la cual hay cada vez más experimentación musical. Por algo se dice que el Sgt. Pepper es el mejor disco de los Beatles...

Grabación e historia del disco

Antes de empezar a grabar el disco, el grupo había tomado una decisión que cambiaría por completo la dirección de su carrera: No iban a dar conciertos nunca más. Los Beatles dijeron que los gritos de las fans, que sólo los querían por su estética, no les dejaban tocar a gusto y que ni siquiera podían oírse tocar a sí mismo del estruendo que provocaban (probad a escuchar un concierto en directo de los Beatles y comprobaréis lo que digo). Lo cierto es que la decisión de dejar los conciertos les daría a los Beatles una ventaja magnífica: A partir de ahora, podrían incorporar más técnicas de estudio en sus álbumes, ya que no se encontrarían con ningún problema al interpretarlas en directo. Y, como podréis comprobar a lo largo de este disco, algunas canciones son prácticamente imposibles de interpretar en una actuación en vivo. Sin duda, dejar los conciertos fue una de las mejores decisiones del grupo. Por cierto, una anécdota sobre el ruido de las fans: Al comienzo del disco, cuando suena la primera canción, se incluyeron unos cuantos gritos y risas que representaban al público en un directo, fue como una despedida con cierto tono de "desquite" por parte del grupo.

Pero, por supuesto, esta decisión también acarreó que muchos medios dijeran que los Beatles eran un grupo acabado. La frase "¿Dónde están los Beatles?" fue un eco constante en todos los periódicos y revistas musicales, que creían que la falta de actividad del grupo suponía su fin. Nada más lejos de la realidad. Lo cierto es que los cuatro integrantes estaban creando su obra maestra.

Uno de los aspectos más interesantes de este disco es la forma en la que están estructuradas las canciones: Es un disco conceptual. Esto quiere decir que el disco está "unificado", el grupo lo concibió para que se escuchara como una sola canción. Es decir, todo está planificado: El orden de los temas, la alternancia de sonidos e incluso la unión de algunas canciones (por ejemplo, el final de "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" es, al mismo tiempo, el principio de "With a Little Help of my Friends"). La magnífica idea del álbum conceptual surgió cuando Paul McCartney escuchó por primera vez el disco Pet Sounds, de los Beach Boys (que, por cierto, es un lujo de álbum, si tenéis Spotify escuchadlo y no os decepcionará). McCartney dijo sobre Pet Sounds: "Es el mejor disco vocal que se haya grabado nunca... es en realidad una obra maestra". El resto del grupo se mostró ilusionado con la idea y acabaron aceptando el reto de hacer su propio disco conceptual.

El disco nació con un claro estilo psicodélico, pero con un sonido mucho más elaborado que cualquier otro disco del género. Además de las buenas técnicas de estudio que tenían disponibles (grabaron en los estudios de EMI), usaron todo tipo de instrumentos muy inusuales en una banda de rock: Violines, orquestas, ruidos de animales, instrumentos hindúes, instrumentos de viento, sonidos invertidos... Todo un espectáculo.

Para acabar el apartado de la grabación del disco, dejaré una última anécdota: Los 15 últimos segundos están rellenados con una frecuencia de 15 kilohercios, una especie de broma ya que no todo el mundo puede oírla (según Lennon, lo hizo "para molestar a vuestros perros"). Seguidamente, aparece un extraño bucle de risas y voces incomprensibles.

Dentro de los diversos estilos musicales que se presentan en el álbum, tenemos el rock psicodélico (Lucy in the Sky with Diamonds, Being for the Benefit of Mr. Kite!, Within You Without You, Fixing a Hole), rock progresivo (A Day in the Life, Good Morning Good Morning, Getting Better), baladas (She's Leaving Home) y pop-rock clásico (Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, With a Little Help from My Friends, When I'm Sixty-Four, Lovely Rita).

Respecto a los autores de las canciones, en su gran mayoría son de Lennon y McCartney, pero también participan Harrison en alguna canción. Eso sí, no hay ningún cover. A continuación os dejo la lista completa de canciones y sus autores:

1. «Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band» - Compuesta por Lennon y McCartney
2. «With a Little Help from My Friends» - Compuesta por Lennon y McCartney
3. «Lucy in the Sky with Diamonds» - Compuesta por Lennon y McCartney
4. «Getting Better» - Compuesta por Lennon y McCartney
5. «Fixing a Hole» - Compuesta por Lennon y McCartney
6. «She's Leaving Home» - Compuesta por Lennon y McCartney
7. «Being for the Benefit of Mr. Kite!» - Compuesta por Lennon y McCartney
8. «Within You Without You» - Compuesta por Harrison
9. «When I'm Sixty-Four» - Compuesta por Lennon y McCartney
10. «Lovely Rita» - Compuesta por Lennon y McCartney
11. «Good Morning Good Morning» - Compuesta por Lennon y McCartney
12. «Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise)» - Compuesta por Lennon y McCartney
13. «A Day in the Life» - Compuesta por Lennon y McCartney

Canciones

El disco comienza con la rápida canción que le da nombre al disco, un estilo rockero clásico con guitarras eléctricas y una fuerte voz de McCartney. Sin duda alguna, lo más interesante de la canción es el puente final que hace con With a Little Help from My Friends. La intensidad de la canción, acompañado de aplausos constantes, aumenta cada vez más para acabar dando paso a una dulce balada cantada por Ringo Starr. Al parecer, al principio Ringo no quería cantarla, pero el resto del grupo acabó animándolo. Eso sí, puso como condición que se cambiara el principio de la canción, que decía "¿Qué harias si cantara Desafinado? ¿Me arrojarias tomates maduros?", ya que Ringo no estaba muy acostumbrado a cantar y no quería que los fans le tiraran tomates de verdad (una muestras del humor de Ringo, claro, es imposible que los fans le tiraran tomates a los Beatles...).

Esta da paso a la psicodélica "Lucy in the Sky with Diamonds", una canción llena de dobles sentidos y teorías sobre su signficado. Muchos críticos dicen que la canción hace clara referencia al LSD (por las iniciales), pero Lennon siempre ha defendido que está basado en un dibujo hecho por su hijo Julian. Además, es famosa la anécdota del Australopithecus Lucy, conocido así en honor a la canción. En el apartado puramente musical, podemos ver que es una canción misteriosa, con una voz somnolienta y un ritmo lento (excepto en la parte del estribillo).

La siguiente canción, "Getting Better" es una melodía bastante experimental, con un sonido rockero pero inusual en los Beatles. Yo siempre la he considerado algo inferior al resto del disco, pero está claro que eso dependerá de los gustos. Respecto a "Fixing a Hole", es una canción inspirada en las experiencias psicodélicas de McCartney (Paul reconoció por sí mismo estas influencias en algunas declaraciones). El aspecto más característico de la canción es la presencia de ecos, tanto en las voces como en los instrumentos, que le dan un aire especial.

La siguiente canción, "She's Leaving Home", es una de las más cercanas a la música clásica que han hecho los Beatles (y con excelentes resultados, hay que decirlo). Numerosos coros, un arpa, notas largas... Además, McCartney dijo que la historia que cuenta en la canción sobre una chica que se va de casa estaba basada en hechos reales.

"Being for the Benefit of Mr. Kite!" es una locura musical de estilo psicodélico. Según Lennon, la intención era representar un circo, una canción que pareciera tener "atmósfera de carnaval". Es una melodía corta, pero se nota una gran complejidad y experimentación en su composición. Es uno de esos extraños experimentos que tan bien encajan en este disco.

"Within You Without You" es la aportación de Harrison, con un estilo claramente marcado por la música india (y tan típico en George, claro). La presencia del sitar y la voz de Harrison hacen de ésta la aportación hindú del disco (como veremos en próximos discos y ya hemos visto en anteriores, Harrison siempre ha tenido pasión por la cultura hindú). Por cierto, un consejo, no os perdáis la mezcla que se hace en el disco "Love" entre Within You Withouth You y Tomorrow Never Knows (canción de Revolver)

"When I'm Sixty-Four" es una canción claramente compuesta por McCartney (se nota su estilo más cercano al pop, aunque esté firmada como Lennon-McCartney). Según parece, la compuso como regalo de cumpleaños para su padre, que había llegado a los 64 años recientemente. La siguiente canción, "Lovely Rita", es una canción con sonidos bastante extraños y algo psicodélicos. Al parecer, Lennon y McCartney crearon una especie de instrumento con un peine y un pañuelo para hacer algunos de los extraños ruidos que aparecen a lo largo de la canción.

La canción "Good Morning Good Morning" fue un perfecto toque de rock más "duro" para el disco. Con una guitarra más potente que en resto de canciones y un saxofón para crear un ambiente ruidoso, la canción llegó a incluir ruidos de animales. La inspiración del grupo para crearla fue un anuncio de los cereales Kellogg's (y, si os fijáis en el final de la canción, podréis ver que el sonido de un pato se acaba unificando con la guitarra de la siguiente pista, de nuevo una ligadura de canciones).

La canción "Reprise" de la melodía original es una versión rápida y más vertiginosa de la primera pista del disco. Pero, finalmente, deja paso a una de las obras maestras del disco: "A Day in the Life". Una canción trabajada y compleja llena de crescendos orquestales, significados poco claros y una increíble combinación entre dos fragmentos musicales: Uno de Lennon y otro de McCartney. La parte de Lennon estaba basada en un estilo reflexivo y oscuro, cuyas letras estaban basadas en acontecimientos que había leído en los periódicos (como la muerte de Tara Browne), mientras que la parte de McCartney es más despreocupada y alegre, describiendo un día típico en su vida. Ambas partes se combinan perfectamente para acabar terminando con un poderoso acorde hecho en tres pianos a la vez, que se alargó durante 40 segundos completos (de hecho, debido a que el sonido se iba apagando, se subió el volumen de la grabación cada vez más, por lo que e pueden oír los ruidos del propio estudio).

Recepción del público y la crítica

Como ya hemos comentado anteriormente, el disco fue un éxito total (sin ninguna duda). El disco ha pasado ya a la historia como un referente de su género y de su época (y, si lo piensas bien, del grupo):

La crítica le concedió las más altas puntuaciones. Basta decir que absolutamente todas las revistas, webs y portales que voy a nombrar ahora le dieron 5 sobre 5 estrellas: Allmusic, Blender, SputnikMusic, Rolling Stone, Pitchfork Media, Robert Christgau y The Daily Telegraph. Además, tanto el sitio de internet Internet Digital Dream Door como la famosa revista Rolling Stone colocaron el disco en la primera posición dentro de su recopilación de mejores álbumes de la historia. Sobran los comentarios...

Respecto a las ventas, fue un disco de diamante, subió a las primeras posiciones de Reino Unido y Estados Unidos y se mantuvo allí durante 27 y 15 semanas respectivamente. Está claro que los fans del grupo acogieron calurosamente este disco.

Portada

La portada del disco es también una muestra del cariño que se había puesto en el disco. Un trabajo excelente, bien trabajado y lleno de pequeños detalles diseñado por el artista Peter Blake.

Por ejemplo, entre los personajes famosos que hay representados, se puede ver a Edgar Allan Poe (un escritor que, como ya supongo que sabéis los lectores de este blog, adoro), Bob Dylan, Aldous Huxley, Marilyn Monroe... Entre los personajes que iban a aparecer pero finalmente fueron descartados, se encuentran Gandhi, Hitler y Jesucristo, pero desaparecieron por la polémica que podrían desatar. Aquí podéis ver la lista de famosos que aparecen en la portada.

Otro detalle: La niña en la esquina derecha tiene escrito en sangre: "Welcome The Rolling Stones" (ya sabéis que ambos grupos estaban dirigidos a un público más o menos similar y por ello se hacían la competencia). Otros fans más conspirativos han llegado a decir que en la portada hay una referencia al famoso rumor de que Paul está muerto. Según ellos, el trozo de tierra que hay en la parte frontal es una tumba. Junto a ella, hecho con flores, es lo que parece ser un bajo (el instrumento de Paul) hecho para zurdos (que es lo que él era). Además, el supuesto bajo sólo tiene tres cuerdas (haciendo referencia a la falta de un integrante) y a la izquierda se representa a los Beatles vestidos de negro (como si fueran de luto). Sin embargo, esto se queda sólo como curiosidad, ya que el mito de que Paul está muerto es sólo eso, un mito.

Un último comentario: El extravagante nombre del álbum es en realidad una parodia de los numerosos grupos que estaban surgiendo en esa época con nombres extraños y largos que nadie acababa de entender. Los Beatles cuidaron hasta el último detalle.

Fuentes

Sgt. Pepper Lonely Hearts Club Band - Wikipedia
Sgt. Pepper Lonely Hearts Club Band - Wikipedia (English)
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Queen (10ª parte) Hot Space

(NOTA: Si tienes Spotify, quizás preferirías escuchar el álbum aquí mientras lees el artículo)

Hot Space siempre fue un disco controvertido. Anteriormente, ya habíamos visto cómo The Game introducía una gran innovación: los sintetizadores. En su día ya comenté que este cambio tuvo bastante éxito y el grupo renovó su estilo con excelentes resultados. Pues bien, con Hot Space encontramos un nuevo cambio mucho más radical: La mayor parte de estas canciones tendrán un estilo disco/funk. Este cambio de estilo, que se alejaba de su rock tradicional, no fue muy bien recibido por la crítica y decepcionó enormemente a algunos fans del grupo que preferían el sonido tradicional.

Personalmente, he de decir que, exceptuando tres o cuatro canciones bastante buenas (ya profundizaré en ellas más adelante), no me gusta demasiado el estilo de este disco y siempre lo he considerado uno de los más flojos de su discografía. Por suerte para los que no nos gusta este cambio, el siguiente disco de Queen, The Works, volvería con mucha fuerza para recuperar el verdadero estilo del grupo.

Eso sí, el disco Hot Space guarda algunas joyas como "Under Pressure", la cual realiza en colaboración con David Bowie (los que me seguís desde hace tiempo ya conoceréis mi afición por Bowie, otro de los grandes de la música rock). Dicho esto, comencemos con el análisis:

Grabación e historia del disco

El disco fue grabado entre septiembre de 1981 y marzo de 1982. Como ya hemos comentado antes, su estilo cambió completamente hacia el disco/funk. Pero, ¿por qué? ¿por qué un grupo como Queen, lleno de fans y alabado por la crítica, se arriesgó a hacer algo tan peligroso y controvertido para su carrera? Para encontrar la respuesta debemos retroceder un poco en el tiempo. Si recordamos bien, el disco "Jazz" tuvo poco éxito y las críticas no fueron demasiado buenas. Sin embargo, cuando se publicó "The Game", el single Another One Bites The Dust, de clara influencia disco/funk, tuvo un éxito arrollador y fue un superventas mundial. Como es evidente, tras comprobar este éxito, el grupo decidió crear un nuevo disco basado en el estilo de esa canción.

Sea como sea, el grupo no hizo este cambio sólo por "aprovechar el tirón". Y buena prueba de ello es el propio Freddie Mercury, que siempre estaba ansioso por explorar nuevos ritmos y sonidos. Gracias a Hot Space, Freddie pudo explorar muchísimos sonidos nuevos. Por ejemplo, el sintetizador fue usado en muchísimas ocasiones, las líneas de bajo empezaron a aparecer con más frecuencia, y los solos de guitarra, algo imprescindible en Queen, fueron eliminadas en algunas canciones. En definitiva, fue un disco con mucha experimentación y búsqueda de sonidos nuevos (por ejemplo, en la canción "Las Palabras de Amor" se introdujeron fragmentos en castellano).

Junto a Freddie, otro que se sentía feliz con este cambio fue John Deacon (creador de Another One Bites the Dust), al que siempre le gustó este tipo de música (estas preferencias musicales pueden verse claramente en cualquier otro disco). Sin embargo, el disco también mantenía una parte más dura, llevada a cabo principalmente por Brian May, quien siempre es el responsable de las canciones más rockeras del grupo.

Junto al disco, Queen realizó una extensa gira de conciertos por todo el mundo. Tras empezar con unos conciertos en Suiza, el grupo pasó por Noruega, Francia, Bélgica, Países Bajos, Alemania, Austria, Escocia, Inglaterra... Y no sólo hicieron conciertos por Europa: Pasaron por Montreal (Canadá), Nueva York, Los Ángeles, Tokio... De hecho, los conciertos hechos en Japón supusieron el primer vídeo de un concierto en directo de Queen que se ponía a la venta, el famoso "Live in Japan".

Canciones

Hablemos primero de géneros. Hot Space tiene, principalmente, Funk-Rock y Dance, basados en la presencia abundante de bajos y sintetizadores (Staying Power, Dancer, Back Chat, Body Language, Cool Cat), las clásicas canciones de Rock (Action this Day, Put Out the Fire, Calling all Girls), baladas (Life is Real, Las Palabras de Amor) y la espléndida canción de Glam Rock en la que colabora David Bowie con su estilo particular: Under Pressure.

Al igual que en otros discos de Queen y como ya iba siendo costumbre, todos los integrantes del grupo participaron activamente en la creación de temas, aunque Freddie y Brian eran los más prolíficos. Como siempre, a continuación dejo la lista de temas y su compositor:

1. "Staying Power" - Freddie Mercury
2. "Dancer" - Brian May
3. "Back Chat" - John Deacon
4. "Body Language" - Freddie Mercury
5. "Action This Day" - Roger Taylor
6. "Put Out the Fire" - Brian May
7. "Life Is Real (Song for Lennon)" - Freddie Mercury
8. "Calling All Girls" - Roger Taylor
9. "Las Palabras de Amor (The Words of Love)" - Brian May
10. "Cool Cat" - John Deacon y Freddie Mercury
11. "Under Pressure" - Queen y David Bowie

Entre todas estas canciones, yo destacaría tres cuya calidad sobresale sobre el resto: Put Out the Fire, Life is Real y Under Pressure:

Put Out the Fire es una canción con un estilo mucho más rockero que el resto del disco. Compuesta por Brian May mientras estaba borracho, la guitarra goza de gran influencia y es el instrumento más importante, a diferencia de otras en las que predomina el bajo. El estilo pacifista de la canción está inspirado en la reciente muerte violenta de John Lennon.

Life is Real es otra canción inspirada y dedicada especialmente a John Lennon. Fue escrita por Freddie Mercury, quien, como ya sabréis, consideraba a Lennon como uno de los mayores héroes de su infancia (junto a Elvis Presley). El piano solitario de la canción busca imitar el sonido que lograba John, al igual que la voz apagada. Es una canción bastante triste, con una melodía lenta, reflejo de la tristeza de Freddie por la forma de morir que había tenido Lennon. Si nos fijamos bien en las semejanzas, se puede observar similitudes con canciones de Lennon como Love.

Y por último, el tema Under Pressure es para mí la mejor canción del disco. David Bowie hace una colaboración sensacional con Queen. Las voces de Freddie y David se combinan a la perfección en una canción más elaborada y compleja. Pocas veces podemos gozar de el lujo de que dos genios de la música de este calibre hagan una canción colaborativa. Entre sus características se encuentra un ritmo contagioso, unos coros muy bien situados, una línea de bajo muy aclamada y un vídeo muy original y acorde con la canción.

Recepción del público y la crítica

Hot Space conllevaba por sí mismo un gran riesgo. Y la verdad es que, a diferencia de otros cambios tomados a lo largo de la carrera del grupo, la prensa y los fans más fieles de Queen no se lo tomaron muy bien. Es uno de los pocos discos del grupo que no "gustaron" en general.

La crítica profesional no le dio calificaciones muy altas. El portal "Allmusic" le concedió 2'5 estrellas sobre 5 y la revista Rolling Stones le dio 3 estrellas sobre 5. Teniendo en cuenta las altas calificaciones que habían recibido sus otros discos, esta nota es bastante negativa.

El público respondió de mejor forma llegando a los primeros puestos en la lista de ventas en países como Austria u Holanda. Sin embargo, algunos aficionados al grupo se sintieron decepcionados con el cambio y no respondieron bien al disco. Esto se refleja en las calificaciones en las listas de ventas de Reino Unido y Estados Unidos, donde sólo llegó a la cuarta y a la vigésimo segunda posición respectivamente.

Portada

La portada, bastante colorida y acorde al estilo musical del disco, también representó un pequeño cambio. La idea fue de Freddie Mercury, y muestra a los cuatro integrantes del grupo, cada uno en su propio recuadro y con su propio color.

Entre otras cosas, vendría a representar la individualidad con la que trabajaban a veces los cuatro músicos a la hora de componer algunas canciones y los diferentes estilos que había entre sí.

Otro aspecto interesante es el título del álbum. Al parecer, surgió en una conversación a altas horas de la noche, cuando los cuatro miembros del grupo estaban bebiendo alcohol. Entre las risas y las tonterías, surgió la idea de que el disco tenía muchos espacios musicales abiertos, por lo que se terminó por imponer el "Hot Space".

Fuente

Hot Space - Wikipedia (English)
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The Beatles (8ª parte) Revolver

Lanzado el 5 de agosto de 1966, fue uno de los mejores y más maduros álbumes de la banda, en el cual mostró importantes muestras del rock psicodélico (estilo que sería llevado a su máxima extensión en los dos discos posteriores). Al igual que con Rubber Soul, en el cual se dejaba a un lado el pop y se pasaba a un estilo más trabajado, en Revolver se muestra un estilo mucho más madurado que en los anteriores, con letras más profundas y un sonido más cercano a la psicodelia.

Siempre se ha considerado a este álbum como uno de los mejores de la banda (por ejemplo, la revista Rolling Stone lo colocó en el tercer puesto en su lista de sus 500 mejores álbumes de todos los tiempos). Además, aquí los Beatles experimentaron mucho más que en anteriores discos, mezclando diferentes sonidos y basando algunas letras en experiencias con el LSD. Normalmente, se califica a este disco como el que marcó definitivamente el giro hacia la música psicodélica que tomarían los Beatles, con canciones como "Tomorrow Never Knows" o "She said She said". De hecho, se puede decir que Revolver ya no contenía prácticamente ninguna canción de sonido pop (excepto la infantil "Yellow Submarine", una canción que, para mí, no acaba de encajar con el resto del disco).

Grabación e historia del disco

Como ya hemos comentado brevemente, en este disco se introdujeron muchas nuevas técnicas musicales y se experimentó bastante con las canciones. Principalmente, entre todas estas innovaciones destaca la experimentación con el LSD y sus consecuencias: El rock psicodélico. ¿En qué consistía este estilo musical? Podemos decir que las características principales de este género eran el uso de instrumentos orientales, las letras extrañas que reflejan sueños o alucinaciones, efectos sonoros producidos con sintetizador, sonidos inversos... En general, se puede considerar como rock psicodélico a aquella música que intenta reflejar el estado producido por el LSD. Si queréis profundizar más en este género, he hecho una lista en Spotify.

El ejemplo más claro de este estilo en Revolver lo tenemos, sin lugar a dudas, en la canción "Tomorrow Never Knows", de Lennon. En ella se puede ver un sonido oriental, ruidos extraños, guitarras y sonidos invertidos, una letra que se aleja completamente de la temática típica de los Beatles (en vez de hablar de amor o temas pop, habla sobre la meditación y tiene un sentido espiritual), loops, mensajes cantados al revés, un estilo somnoliento... Todo ello combinado dio lugar a uno de los mayores exponentes del rock psicodélico.

Pero no todo fue rock psicodélico en este álbum, hay muchos otros estilos e innovaciones que hicieron de Revolver un disco brillante (si queréis ver de verdad un disco en el que haya una locura explosiva de psicodelia, probad a escuchar "Magical Mystery Tour", también de los Beatles, el cual analizaremos en unas semanas).

Otro aspecto importante en la grabación de este disco fueron las mejoras en la complejidad de las canciones. Por ejemplo, la genial "Eleanor Rigby", que estaba basada en el sonido de los violines, las violas y los violonchelos, pertenece al género del pop barroco. Este estilo se basaba en utilizar estilos y elementos de la música clásica y aplicarlos a melodías pop. Si comparamos canciones como Eleanor Rigby con las canciones presentes en los primeros discos de los Beatles, se observa una clara mejoría en el nivel de trabajo y grabación, con sonidos más estudiados y letras profundas.

En general, casi se podría decir que en este disco abundan las experimentaciones con diversos sonidos. Y, sin duda, los resultados fueron excelentes. La grabación del disco duró alrededor de tres meses en los estudios de EMI, en Londres. Por supuesto, todas las canciones del disco fueron compuestas por ellos, y no incorporaron ningún cover (como sí hacían en los primeros discos). Revolver es ya un ejemplo de la etapa "madura" de los Beatles.

Canciones

Como ya es típico en los Beatles, encontramos una gran variedad de estilos musicales y muy variados en este disco. El más destacable es el rock psicodélico ("I'm Only Sleeping", "Tomorrow Never Knows", "She Said She Said", "Taxman", "Love You To"), pero también encontramos el pop barroco ("Eleanor Rigby", "For No One"), pop más ligero ("Yellow Submarine", "Good Day Sunshine"), rock clásico ("And your Bird Can Sing", "Doctor Robert", "I Want to Tell You") baladas ("Here, There and Everywhere") y un sonido cercano a la música soul con toques rockeros ("Got to Get You into My Life").

Todas las canciones están compuestas por Lennon y McCartney excepto "Taxman", "Love You To" y "I Want to Tell You", las cuales compuso Harrison. El batería, Ringo Starr, no participó componiendo ninguna canción, pero cantó "Yellow Submarine". A continuación dejo la lista completa de canciones y su vocalista principal:

1 - «Taxman» - Harrison
2 - «Eleanor Rigby» - McCartney
3 - «I'm Only Sleeping» - Lennon
4 - «Love You To» (Harrison) - Harrison
5 - «Here, There and Everywhere» - McCartney
6 - «Yellow Submarine» - Starr
7 - «She Said She Said» - Lennon
8 - «Good Day Sunshine» - McCartney
9 - «And Your Bird Can Sing» - Lennon
10 - «For No One» - McCartney
11 - «Doctor Robert» - Lennon
12 - «I Want to Tell You» - Harrison
13 - «Got to Get You into My Life» - McCartney
14 - «Tomorrow Never Knows» - Lennon

Si tengo que destacar algunas canciones del álbum (decisión difícil), creo que escogería las tres más representativas del disco y sus estilos: Tomorrow Never Knows, Eleanor Rigby y Yellow Submarine.

Tomorrow Never Knows es, como comenté al principio, el máximo exponente de la psicodelia de los Beatles. Según se dice, Lennon sacó la inspiración para hacer esta canción a partir del Libro Tibetano de los Muertos (aunque sus compañeros dicen que en realidad él leía "The Psychedelic Experience", un libro parecido), el cual solía leer mientras tomaba LSD, así que no es de extrañar que obtuviera como resultado una canción un tanto extraña ;-). Para grabar esta canción, Lennon usó la duplicación de voces mediante sintetizadores, junto con otros muchos efectos que ya comentamos anteriormente.

Eleanor Rigby, que contaba con un doble cuarteto de cuerda, es una canción con muchos toques de música clásica. Juegan un papel importante en la canción los coros, que complementan a las cuerdas. Respecto al nombre de la canción, McCartney cuenta una curiosa anécdota:

"El patio de la iglesia St. Peter era un lugar que John y yo frecuentabamos regularmente, es posible que haya visto la tumba con el nombre y quizas inconscientemente lo haya recordado o relacionado; quizás mi memoria se clavó particularmente en ese recuerdo, o en el nombre, Eleanor. Pero el nombre no me resultaba suficiente, queria un apellido poco común, y recuerdo un día, caminando con Jane por la ciudad de Bristol, divisé una tienda con el nombre Rigby, y pense -eso es, ya lo tengo-."

Y llegamos a Yellow Submarine. A mí, personalmente, no me gusta demasiado porque es, en esencia, una canción más de la época pop de los Beatles y creo que no encaja con el disco. Pero, sin embargo, tuvo un importante éxito y ha tenido una gran acogida en la cultura popular, además de que posteriormente los Beatles publicarían un disco con ese mismo nombre. La canción es, según el propio Paul, de sonido infantil. La idea se le vino a la mente cuando estaba medio dormido: Tumbado en su cama, se le vino a la mente la imagen de un submarino amarillo, y decidió plasmar esa idea en una canción.

Recepción del público y la crítica

Muchos aficionados a los Beatles consideran a este álbum como el mejor de los Beatles, y la verdad es que no exageran (aunque vosotros ya sabéis que yo siempre he preferido el Sgt. Pepper). Cuando fue lanzado, tanto el público como la crítica aplaudieron su estilo vanguardista y sus sonidos nuevos.

En las ventas, el disco subió con total facilidad al número 1 en países como Gran Bretaña y Estados Unidos, en los cuales mantuvo su posición durante semanas enteras (en concreto, en EE.UU estuvo un total de siete semanas en la primera posición).

Pero, sobre todo, la crítica se deshizo en halagos ante este disco. Portales y revistas como Allmusic o Blender le han dado cinco estrellas sobre cinco, y la publicación Pitchfork Media le concedió un diez sobre diez. El nuevo camino que estaban tomando los Beatles, mucho más maduro y complejo musicalmente hablando, agradó enormemente a los críticos musicales. El disco fue todo un éxito.


Fuentes

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Revolver - Wikipedia

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Queen (9ª parte) The Game

(NOTA: Si tienes Spotify, quizás preferirías escuchar el álbum aquí mientras lees el artículo)

Creo que la mejor definición que le podemos dar a este disco es la de "cambio controvertido". Como ya comentamos en la anterior entrada, The Game es el primer disco de Queen en lo que yo denomino "su segunda época", que comienza justo en el año 1980, con la nueva década. Una época que cambió significativamente el estilo del grupo. En primer lugar, tenemos el uso de sintetizadores, los cuales habían sido ignorados por el grupo en discos anteriores. También se puede ver un cambio de estilo musical, es una etapa en la que Queen publicará sus "singles" más famosos. Además, este cambio también fue estético: El grupo renovó completamente sus peinados y ropas, y Freddie Mercury empezó a lucir su famosísimo bigote.

Como cualquier cambio, este nuevo estilo supuso críticas por parte de algunos sectores (principalmente, de aquellos que se sintieron decepcionados por la inclusión de sintetizadores), pero en general supuso un gran éxito y un soplo de aire fresco en la carrera del grupo. Es uno de los álbumes más vendidos de toda su carrera y contiene canciones bastante conocidas y que se quedaron grabadas en el repertorio del grupo en los conciertos en directo.

Grabación e historia del disco

El disco fue grabado entre junio y julio de 1979 y entre febrero y mayo de 1980. Sin duda, su rasgo más importante es el de incluir sintetizadores (un instrumento musical electrónico usado para crear sonidos de forma artifical) en la producción de algunas canciones. El grupo dijo que este cambio no era ningún tipo de traición (aunque resulte extraño, algunos fans se lo tomaron como tal), sino que simplemente era una búsqueda de un nuevo estilo, un intento de innovar. Y realmente lo hicieron bien. Queen se adaptó muy bien (tanto en este como en posteriores discos) al uso de sintetizadores.

Por supuesto, de forma inherente al uso de sintetizadores, el grupo también innovó en su estilo musical. A partir de este disco amplió bastante más su variedad musical, tomando estilos de moda en los ochenta y adaptando estos nuevos sonidos a su rock tradicional. Además, también profundizaron más en el uso del bajo, el cual usaron como base para muchas canciones (por ejemplo, para Another One Bites the Dust). Personalmente, he de decir que en algunos discos posteriores Queen se alejó demasiado de su estilo (el disco Hot Space nunca me ha gustado demasiado), pero en otros casos logró una combinación excelente de su sonido original y de los nuevos ritmos (véase el disco The Works, uno de mis preferidos en esta segunda etapa). Sea como sea, lo que sí podemos afirmar es que Queen no se quedó estancado, siempre intentó avanzar y perfeccionar su técnica musical con nuevas experiencias.

Hablemos ahora de su cambio estético. Con la entrada de la época de los ochenta, el grupo cambió de aires y reflejó ese cambio en sus ropas y peinados. Por ejemplo, John Deacon, bajista, se cortó el pelo y cambió su forma de vestir (Antes - Después). Roger Taylor, el batería del grupo, también sufrió un cambio similar (Antes - Después). Pero, si hay un integrante del grupo que destaca sobre los demás a la hora de cambiar de look, ese es Freddie Mercury. Su nuevo pelo corto y gran bigote pasaron a ser una de las imágenes más representativas del grupo (Antes - Después). Mención aparte merece Brian May, el guitarrista, que decidió no cambiar absolutamente nada de su vestimenta-peinado. De hecho, durante toda la carrera en Queen mantuvo siempre el mismo aspecto. A las pruebas me remito: Antes-Después.

También es destacable el hecho de que el grupo hizo numerosas giras mientras componía este álbum. Por ejemplo, algunos discos en directo como Live Killers o Crazy Tour datan de esa época (1979-1980). El grupo viajó por todo el mundo: Francia, Japón, Estados Unidos, Canadá, Reino Unido... Quizás estas giras ayudaron al enorme éxito comercial que tuvo el disco, como comentaremos más adelante.

Canciones

El disco "The Game" es la confirmación absoluta de la gran variedad de la que goza Queen. En este disco se introdujeron muchos nuevos estilos y, al mismo tiempo, se renovó su estilo tradicional. Por ejemplo, podemos encontrar un estilo conocido como Funk Rock, que se basa en la alta presencia de bajos, que a menudo llevan la melodía principal de la canción (Another One Bites the Dust, Dragon Attack, Don't Try Suicide), el rock tradicional (Need Your Loving Tonight, Rock It (Prime Jive), Coming Soon), baladas (Play the Game, Save me, Sail Away Sweet Sister (To the Sister I Never Had)), y una canción de rockabilly, un género que se caracteriza por mezcla country y rock (Crazy Little Thing Called Love)

Además, en este disco todos los integrantes compusieron varias canciones. Un caso especial es John Deacon, quien no suele componer demasiado, pero que se sintió muy cómodo con el cambio de estilo y se animó a crear unas cuantas canciones. A continuación dejo el listado completo y su compositor:

1. «Play the Game» - Freddie Mercury
2. «Dragon Attack» - Brian May
3. «Another One Bites the Dust» - John Deacon
4. «Need Your Loving Tonight» - John Deacon
5. «Crazy Little Thing Called Love» - Freddie Mercury
6. «Rock It (Prime Jive)» - Roger Taylor
7. «Don't Try Suicide» - Freddie Mercury
8. «Sail Away Sweet Sister (To the Sister I Never Had)» - Brian May
9. «Coming Soon» - Roger Taylor
10. «Save Me» - Brian May
11. «Dragon Attack» - Brian May

Sin ninguna duda, la canción más destacada del álbum en Another One Bites the Dust, la composición de John Deacon. Esta canción fue el single más vendido de todo el disco, cuyo éxito probablemente influiría de forma importante en las próximas decisiones del grupo a la hora de definir su temática musical. La canción estaba basada en el bajo, el cual lleva el ritmo de la canción. Este single que tenía un sonido cercano a la música disco iba a ser descartado en un principio, ya que el grupo no lo consideraba "lo suficientemente bueno". Sin embargo, cuando ya iba a ser eliminada, Michael Jackson la escuchó y les dijo al grupo que, en caso de descartarla, debían de estar locos. Animados por Jackson, el grupo la publicó como single y consiguió un enorme éxito. Personalmente (y recalco: personalmente) he de reconocer que no me gusta demasiado esta canción, nunca me convenció la melodía demasiado repetitiva en general y la poca presencia de guitarra eléctrica.

Otra canción muy destacable es Save me, una dulce balada compuesta por Brian y cantada por Freddie. De temática romántica y basándose en un piano principal, esta canción se ganó un puesto asegurado en cualquier actuación en vivo de Queen. También aparecería en posteriores recopilatorios de Queen como una de sus mejores baladas (junto a, por supuesto, Love of my Life).

Otra gran canción del álbum fue Crazy Little Thing Called Love. Esta canción la compuso Freddie mientras estaba cantando en la ducha (más concretamente, en un relajante baño de espuma, donde se dice que tardó sólo 10 minutos es componerla). Su estilo es fácilmente reconocible: Rockabilly inspirado en uno de los mayores héroes de Freddie, Elvis Presley. Tanto la guitarra como el estilo como la voz de Freddie son un claro homenaje al "Rey del rock".

Recepción del público y la crítica

El nuevo rumbo que tomó Queen en el álbum fue bastante existoso y tanto la crítica como el público aplaudieron este disco.

La crítica profesional le dio calificaciones generalmente altas: El portal Allmusic le dio 4'5 estrellas sobre 5, la Record Mirror le dio 4 sobre 5, la revista Q le dio 3/5 estrellas... En general gustó este cambio. No llegó a las calificaciones de discos como A Night at the Opera, pero se mantuvo en la buena línea de Queen.

Por su parte, el público recompensó al disco con una excelente acogida. The Game fue uno de los discos más vendidos, y, en especial, el single Another One Bites the Dust fue todo un éxito de ventas. Llegó a ser platino en Canadá, Estados Unidos, Reino Unido... Además, llegó al número uno en países como Argentina o Irlanda. También llegó al disco de oro en Austria, Alemania y Holanda. En definitiva, todo un éxito.

Portada

La portada es bastante representativa, mostrando el nuevo estilo con aire de los ochenta que vamos a encontrar. Los integrantes del grupo aparecen vestidos con unas chaquetas de cuero negra y muestran ya su nuevo estilo (aunque Freddie no tuviera todavía el bigote).

Un aspecto curioso sobre la portada es el título. En un principio, el grupo quería que se llamara como la primera canción: Play the game. Sin embargo, se dieron cuenta de que los críticos podrían pensar que era una alegoría de su cambio de estilo (Play the game = Juega el juego), el cual intentaba "seguir las modas, unirse al juego". Para evitar este malentendido, lo dejaron simplemente como "The Game".

Fuentes

The Game - Wikipedia
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